Grec Vase Peinture Noir Rouge Athens Boeotia Corinthe Laconia Cerveteri Amasis

EUR 131,70 Achat immédiat, EUR 44,87 Livraison, 60-Jour Retours, Garantie client eBay
Vendeur: ancientgifts ✉️ (5.440) 100%, Lieu où se trouve: Ferndale, Washington, US, Lieu de livraison: WORLDWIDE, Numéro de l'objet: 126358716378 Grec Vase Peinture Noir Rouge Athens Boeotia Corinthe Laconia Cerveteri Amasis. Les commandes réalisées à partir des États-Unis, peuvent être soumises à des taxes d'importation et droits de douane, que l'acheteur est tenu responsable de payer.

Grec Vase Peinture Noir Rouge Athens Boeotia Corinthe Laconia Cerveteri Amasis Cette fiche produit est originalement écrite en anglais. Veuillez trouver ci dessous une traduction automatique en français. Si vous avez des questions veuillez nous contacter.

"Peinture de vase grec" de Dietrich Von Bothmer.

NOTE: Nous avons 75 000 livres dans notre bibliothèque, soit près de 10 000 titres différents. Il y a de fortes chances que nous ayons d'autres exemplaires de ce même titre dans des conditions variables, certaines moins chères, d'autres en meilleur état. Nous pouvons également avoir différentes éditions (certaines en livre de poche, d'autres à couverture rigide, souvent des éditions internationales). Si vous ne voyez pas ce que vous voulez, veuillez nous contacter et demander. Nous sommes heureux de vous envoyer un résumé des différentes conditions et prix que nous pouvons avoir pour le même titre.

DESCRIPTION:  Couverture souple.  Éditeur: Musée d'art métropolitain de New York (1972).   Pages: 71.  Taille: 10¾ x 8¼ pouces; ¾ livres.  Résumé: Cette publication parut à l'origine sous le titre "The Metropolitan Museum of Art Bulletin" pour l'automne 1972. Introduction; Peinture de vase grec ; Indice. De belles images avec des descriptions détaillées pour chacune.       

CONDITION: TRÈS BIEN. Lisez légèrement la couverture souple surdimensionnée. Musée d'art métropolitain de New York (1972) 71 pages. On dirait qu'il a peut-être été lu une fois, peut-être deux fois, ce qui ne montre qu'une usure très, très légère des étagères. En fait, on dirait presque qu'il a été feuilleté plusieurs fois mais jamais réellement lu. L'intérieur du livre est presque intact. Les pages sont propres, nettes, non marquées, non mutilées, étroitement reliées et ne montrant qu'une très, très légère usure de lecture. De l'extérieur, les couvertures ne montrent que de légers frottements sur les couvertures jusqu'aux extrémités, et vraiment, nous pinaillons. Il faut un examen très minutieux pour détecter le frottement très léger, et il n'y a que de très légères traces d'usure sur les bords et les coins, encore une fois, pratiquement indétectables. Vous devez tenir le livre devant une source de lumière et l’inspecter assez attentivement pour voir les signes négligeables d’usure des étagères. Hormis le fait que le livre a probablement été lu une ou deux fois, quoique par un lecteur au toucher très doux, l'état du livre n'est par ailleurs pas très éloigné de ce qui passerait pour un stock « neuf » d'une briqueterie traditionnelle. et mortier librairie à étagères ouvertes (telle que Barnes & Noble, Borders ou B. Dalton, par exemple) dans laquelle les clients sont autorisés à parcourir le stock ouvert, et donc autrement les « nouveaux » livres peuvent présenter un peu d'usure en matière de navigation et d'étagères. Satisfaction garantie sans condition. En inventaire, prêt à livrer. Aucune déception, aucune excuse. EMBALLAGE LOURDEMENT REMBOURRÉ ET SANS DOMMAGE ! Des descriptions minutieuses et précises ! Vente en ligne de livres d'histoire ancienne rares et épuisés depuis 1997. Nous acceptons les retours pour quelque raison que ce soit dans les 30 jours ! #8778.2c.

VEUILLEZ VOIR LES DESCRIPTIONS ET LES IMAGES CI-DESSOUS POUR DES EXAMENS DÉTAILLÉS ET POUR LES PAGES DE PHOTOS DE L’INTÉRIEUR DU LIVRE.

VEUILLEZ CONSULTER LES AVIS DES ÉDITEURS, DES PROFESSIONNELS ET DES LECTEURS CI-DESSOUS.

AVIS DES ÉDITEURS: 

AVIS: Dietrich von Bothmer est président du département d'art grec et romain du Metropolitan Museum of Art de New York. Alan L. Boegehold est professeur de lettres classiques à l'Université Brown.

AVIS: Historien de l'art classique et expert en vases, conservateur de l'art grec et romain au Metropolitan Museum of Art. Né dans une famille aristocratique de Hanovre, Bothmer a travaillé dans sa jeunesse pour l'artiste et sculpteur expressionniste allemand Erich Heckel. Son frère aîné, Bernard von Bothmer, rejoint les musées berlinois en 1932 en tant qu'égyptologue et le jeune Bothmer décide lui-même de se lancer dans une carrière dans les musées. Il étudie un an à l'Université Friedrich Wilhelms de Berlin avant de recevoir une bourse de la Fondation Cecil Rhodes pour étudier à Oxford en 1938.

A Oxford, il rencontre JD Beazley avec qui il étudiera. Bothmer a obtenu son diplôme en 1939 en études classiques. Il a ensuite effectué une longue visite aux États-Unis, visitant des musées et envoyant des informations sur les vases classiques à Beazley, qui les a ensuite incorporées dans ses monographies ultérieures ("Attic Black-Figure Vase Painters", 1956, et "Attic Red-Figure Vase Painters". ", deuxième édition, 1963). Il a étudié à l'Université de Californie, Berkeley, 1940-1942, sous la direction du classiciste et spécialiste du vase HR. W. Smith. Bothmer fut boursier à l'Université de Chicago pendant un an en 1942 avant de retourner à Berkeley pour terminer son doctorat. en 1944.

Le sentiment anti-allemand étant fort, Bothmer rejoignit l'armée américaine sans en être citoyen et fut affecté au théâtre du Pacifique Sud. Là, il fut blessé au combat – transportant un camarade sur plusieurs kilomètres à travers les lignes ennemies – et reçut une étoile de bronze et une Purple Heart pour ses actes héroïques et sa citoyenneté américaine. Il fut démobilisé en 1945. Le frère de Bothmer, également venu aux États-Unis en tant que conservateur à Brooklyn, présenta le jeune Bothmer à des conservateurs, parmi lesquels Gisela Marie Augusta Richter, conservatrice d'objets grecs et romains, qui l'orienta vers un poste dans son département en tant qu'assistant de conservation. .

Bothmer est resté au Metropolitan pour le reste de sa carrière. Il s'impose dans le monde social new-yorkais, participant entre autres aux soirées de la bienfaitrice artistique Josephine Porter Boardman Crane (1873-1972). Il est finalement tombé en désaccord avec le directeur du Met notoirement anti-archéologue, Francis Henry Taylor. En 1959, Bothmer devient conservateur. La même année, il est élu président du comité américain du Corpus Vasorum Antiquorum, qu'il occupe jusqu'en 1983. À ce titre, il est l'auteur de deux fascicules au CVA, un pour le Boston Museum of Fine Arts et un autre pour le Metropolitan.

En 1965, il est nommé professeur adjoint à l'Institut des Beaux-Arts de l'Université de New York et reçoit une bourse Guggenheim l'année suivante. Il épousa l'héritière du pétrole (et veuve du marquis Jacques de la Bégassière) Joyce Blaffer (née en 1926), qui commença à faire des dons importants au Met. En 1990, Bothmer a obtenu le poste de conservateur de recherche émérite au Metropolitan. Le Met a nommé les deux principales galeries de poterie classique « Bothmer Gallery I » et « Bothmer Gallery II » (financée par son épouse) en son honneur en 1999.

Au cours de sa vie, il a reçu des doctorats honorifiques des universités d'Oxford, de Trèves et d'Emory, nommé Chevalier de la Légion d'Honneur et membre de l'Académie française et du Deutsches Archäologisches Institut (DAI). Le frère de Bothmer, Bernard, était égyptologue et historien de l'art à l'Université de New York. La carrière de Bothmer au Metropolitan était souvent controversée. En 1967, le directeur financier du musée, Joseph V. Noble et Bothmer ont annoncé qu'un célèbre cheval de bronze acquis en 1923 par le musée était une contrefaçon basée sur des bases stylistiques et des tests aux rayons gamma.

Les deux hommes ont fait une annonce publique et ont retiré le cheval de la vue. Cependant, Carl Bluemel doutait de leurs découvertes stylistiques, tout comme le conservateur de l'art grec et romain au Musée des Beaux-Arts de Boston, Cornelius Vermeule. Lorsque des tests techniques plus sophistiqués ont été effectués ultérieurement, l'œuvre s'est avérée authentique. Bothmer a également été accusé que son empressement à obtenir d'excellentes pièces pour le musée l'avait amené à récompenser des marchands et des voleurs sans scrupules.

Le Met a vendu une grande partie de sa collection de pièces de monnaie pour payer l'acquisition, indignant les professionnels des musées et les archéologues. La provenance trouble du vase a amené de nombreux archéologues à croire qu'il avait été récemment découvert illégalement sur un site archéologique italien, probablement Cerveteri. Bien que Bothmer et le directeur métropolitain Thomas Hoving aient insisté sur le fait que le pot était resté en morceaux dans une collection familiale à Beyrouth, Hoving a admis plus tard en 1993 que les preuves citées pour la collection de Beyrouth n'avaient jamais fait partie du cratère Euphronios du Met. Le cratère a été rapatrié en 2006.

AVIS: Dietrich Felix von Bothmer (1918-2009) était un historien de l'art américain d'origine allemande, qui a passé six décennies en tant que conservateur au Metropolitan Museum of Art, où il est devenu le plus grand spécialiste mondial dans le domaine des vases grecs anciens. Von Bothmer est né à Eisenach, en Allemagne, le 26 octobre 1918. Fervent opposant à la dictature nazie, von Bothmer a fréquenté l'Université Friedrich Wilhelms de Berlin, puis est allé au Wadham College d'Oxford en 1938 grâce à la dernière bourse Rhodes décernée en Allemagne. Là, il a travaillé avec Sir John Beazley sur ses livres Attic Red-Figure Vase-Painters et Attic Black-Figure Vase-Painters, travaillant en collaboration pour regrouper les œuvres en identifiant les artisans et ateliers individuels qui avaient créé chacun des centaines de vases grecs. Il a obtenu son diplôme en 1939 avec une spécialisation en archéologie classique.

Une tournée de musées aux États-Unis en 1939 a laissé von Bothmer coincé là-bas avec le début de la Seconde Guerre mondiale. En raison de ses forts sentiments anti-nazis, il a refusé de retourner en Allemagne et a échappé de peu à être renvoyé en Allemagne contre sa volonté. Il a obtenu son doctorat à l'Université de Californie à Berkeley en 1944. Bien qu'il ne soit pas encore citoyen, il s'est porté volontaire en 1943 pour l'armée américaine. Après 90 jours dans l'armée américaine, il prêta serment en tant que citoyen américain en mars 1944. Il a servi sur le théâtre d'opérations du Pacifique, remportant une médaille d'étoile de bronze et une Purple Heart pour un acte de bravoure remarquable le 11 août 1944, alors qu'il servait dans le Pacifique Sud, où, bien qu'il ait été blessé à la cuisse, au pied et au bras. , il récupéra un camarade blessé et le ramena trois milles à travers les lignes ennemies.

Après avoir terminé son service militaire, il est embauché par le Metropolitan Museum of Art en 1946 et nommé conservateur en 1959. En 1973, il était président du département et nommé en 1990 conservateur de recherche distingué. Le gouvernement italien a exigé la restitution de l'objet, citant des allégations selon lesquelles le vase aurait été retiré illégalement d'un ancien site étrusque près de Rome. Le cratère était l'une des 20 pièces que le musée a renvoyées en Italie en 2008 en échange de prêts pluriannuels d'objets anciens exposés au Met, dans le cadre d'un accord conclu en 2006.

L'exposition de Von Bothmer en 1977 « Trésors thraces de Bulgarie » couvrait vingt siècles de culture thrace, avec plus de 500 œuvres d'art remontant à l'âge du cuivre. L'exposition « L'art grec des îles de la mer Égée » de 1979 comprenait 191 pièces, dont 46 provenaient du Met et un nombre similaire du Louvre. Le reste provenait de plusieurs musées différents en Grèce, dont la plus grande sculpture cycladique connue, datant de 2700 à 2300 avant JC, prêtée par le Musée archéologique national d'Athènes. Une exposition de 1985 basée sur ses recherches, « Le peintre d'Amasis et son monde : la peinture sur vase au sixième siècle avant JC à Athènes », comprenait 65 œuvres d'un seul artiste qui a créé sa poterie 2 500 ans auparavant, la première à documenter l'histoire du travail de un seul artisan de cette période ancienne en guise d'exposition personnelle.

Les nombreux ouvrages publiés par Von Bothmer dans ce domaine incluent « Amazons in Greek Art » de 1957, « Ancient Art From New York Private Collections » et « An Inquiry Into the Forgery of the Etruscan Terracotta Warriors in the Metropolitan Museum of Art » (avec Joseph V. Noble), tous deux publiés en 1961, "Greek Vase Painting: an Introduction" en 1972, son livre de 1985 "The Amasis Painter and His World: Vase-Painting in Sixth-Century BC Athens", son livre de 1991 "Glories of the Past". : Ancient Art from the Shelby White and Leon Levy Collection", et en 1992," Euphronios, peintre : Actes de la journée d'étude organisée par l'Ecole du Louvre et le Département des antiquités grecques, étrusques de l'Ecole du Louvre ". Il a également contribué en 1983 à « Wealth of the Ancient World (Hunt Art Collections », à « Development of the Attic Black-Figure » Revised edition (Sather Classical Lectures) » en 1986, et à une grande variété d'autres publications. Il a accepté un poste de professeur en 1965 à l'Institut des Beaux-Arts, le programme d'études supérieures en histoire de l'art le mieux classé au pays, selon l'étude de 1994 du Conseil national de recherches.

Von Bothmer a reçu de nombreux prix et citations, dont Chevalier de la Légion d'honneur ; membre de l'Académie française (l'un des deux seuls Américains à avoir cet honneur) ; membre honoraire du Wadham College; et plusieurs doctorats honorifiques. Complétant sa carrière de conservateur et d'universitaire, il a siégé au Conseil consultatif sur l'art de la Fondation internationale pour la recherche en art (IFAR). Résident du district de Manhattan à New York et d'Oyster Bay, New York, von Bothmer est décédé à 90 ans le 19 octobre 2009 à Manhattan. Son frère était le célèbre égyptologue Bernard V. Bothmer, décédé en 1993.

TABLE DES MATIÈRES: Peintre d'Achille (Peintre de Meletos) (grec, actif vers 470-425 av. J.-C.).

Amasis Painter (grec, actif vers 560-515 av. J.-C.).

Peintre d'Andokides (grec, actif vers 530-515/10 av. J.-C.).

Asteas (grec, actif vers 350-320 av. J.-C.).

Peintre berlinois (grec, actif vers 500-475 av. J.-C.).

Briseis Painter (Peintre de vases attiques, actif vers 480 av. J.-C.).

Brygos Painter (grec, actif vers 490-470 av. J.-C.).

Douris (grec, actif 500-475 avant JC).

Peintre d'Érétrie (peintre de vases attiques, actif vers 420 av. J.-C.).

Ergotimos | Euphiletos Painter (grec, actif vers 530-520 av. J.-C.).

Euphronios (grec, vers 520-470 av. J.-C.).

Euxitheos (grec, 6ème siècle avant JC).

Exekias (grec, actif 540-520 avant JC).

Groupe de Boston : Kleitias, peintre de Kleophrades (grec, actif vers 505-475 av. J.-C.).

Groupe Konnakis (grec, actif dans les Pouilles, vers 375-350 av. J.-C.).

Makron (grec).

Oltos (grec, actif vers 525-500 av. J.-C.).

Peintre des Satyres laineux.

Peintre de casseroles.

Psiax (grec, actif vers 530-500 av. J.-C.).

Peintre de la Villa Giulia (grec, actif vers 475-450 av. J.-C.).

AVIS PROFESSIONNELS: 

AVIS: Cette publication a paru à l'origine sous le titre "The Metropolitan Museum of Art Bulletin" pour l'automne 1972. Il a été révisé et complété par l'auteur. Introduction; Peinture de vase grec ; Indice. De belles images avec des descriptions détaillées pour chacune. [Bibliothèque des Arts Céramiques].

AVIS DES LECTEURS: 

AVIS: Excellent ouvrage de référence. Beaucoup d'illustrations. Un bon début pour le collectionneur et l'amateur.

AVIS: Un fabuleux aperçu du sujet avec une photographie époustouflante. Vintage mais sûrement pertinent.

AVIS: Je l'ai aimé! Un beau livre. Vous l'apprécierez.

CONTEXTE SUPPLÉMENTAIRE: 

AVIS: La poterie est pratiquement indestructible. Bien qu'il puisse se briser en morceaux plus petits (appelés tessons), ceux-ci devront être broyés manuellement en poussière afin d'être retirés des archives archéologiques. En tant que tel, il existe une abondance de matériel d’étude, ce qui est exceptionnellement utile pour les érudits modernes. En plus d'être un excellent outil de datation, la poterie permet aux chercheurs de localiser des sites anciens, de reconstituer la nature d'un site et de mettre en évidence des preuves d'échanges commerciaux entre groupes de personnes. De plus, des pots individuels et leur décoration peinte peuvent être étudiés en détail pour répondre à des questions sur la religion, la vie quotidienne et la société.

Fabriqués en terre cuite (argile cuite), les pots et tasses de la Grèce antique, ou « vases » comme on les appelle normalement, étaient façonnés dans une variété de formes et de tailles, et très souvent, la forme d'un récipient est en corrélation avec sa fonction prévue. Par exemple, le cratère était utilisé pour mélanger de l'eau et du vin lors d'un symposion grec (une fête réservée aux hommes). Il permet à un individu de verser des liquides dans sa large ouverture, de remuer le contenu dans son bol profond et d'accéder facilement au mélange avec une louche séparée ou un petit pichet. Ou bien, le vase connu sous le nom d’hydrie était utilisé pour collecter, transporter et verser de l’eau. Il comporte un corps bulbeux, un bec pincé et trois poignées (deux sur les côtés pour le maintien et une tendue le long du dos pour incliner et verser).

Afin d’évoquer les différentes zones des vaisseaux, les spécialistes ont adopté des termes qui se rapportent aux parties du corps. L'ouverture du pot s'appelle la bouche ; la tige est appelée le cou ; la pente du cou au corps s'appelle l'épaule ; et la base est connue sous le nom de pied). À l’extérieur, les vases grecs présentent des compositions peintes qui reflètent souvent le style d’une certaine période. Par exemple, les récipients créés pendant la période géométrique (vers 900-700 avant JC) présentent des motifs géométriques, comme on le voit sur la célèbre amphore Dipylon (ci-dessous), tandis que ceux décorés pendant la période orientalisante (vers 700-600 avant JC) présentent des processions d'animaux et Motifs du Proche-Orient.

Plus tard, pendant les périodes archaïque et classique (vers 600-323 av. J.-C.), les peintures sur vase représentent principalement des activités humaines et mythologiques. Ces scènes figuratives peuvent varier considérablement, depuis les événements de la vie quotidienne (par exemple, aller chercher de l'eau à la fontaine) jusqu'aux actes héroïques et aux contes homériques (par exemple, Thésée et le taureau, Ulysse et les sirènes), du monde des dieux (par exemple, Zeus enlevant Ganymède) aux représentations théâtrales et aux compétitions sportives (par exemple l'Orestie, les courses de chars). S’il est important de souligner que ces scènes peintes ne doivent pas être considérées comme des photographies documentant la réalité, elles peuvent néanmoins aider à reconstituer la vie et les croyances des Grecs de l’Antiquité.

Pour produire les couleurs rouges et noires caractéristiques des vases, les artisans grecs utilisaient de l'argile liquide comme peinture (appelée « barbotine ») et perfectionnaient un processus de cuisson complexe en trois étapes. Non seulement les pots devaient être empilés dans le four d'une manière spécifique, mais les conditions à l'intérieur devaient également être précises. Tout d’abord, la température a été portée à environ 800° centigrades et des évents ont permis un environnement oxydant. À ce stade, le vase entier est devenu rouge. Ensuite, en bouchant les évents et en augmentant la température jusqu'à environ 900-950° centigrades, tout est devenu noir et les zones peintes avec la barbotine ont été vitrifiées (transformées en une substance vitreuse). Enfin, dans la dernière étape, les évents ont été rouverts et les conditions oxydantes ont été rétablies à l'intérieur du four.

A ce stade, les zones non peintes du récipient redeviennent rouges tandis que l'engobe vitrifié (les zones peintes) conserve une teinte noire brillante. Grâce à l'introduction et à l'élimination de l'oxygène dans le four et, simultanément, à l'augmentation et à la diminution de la température, la barbotine se transforme en une couleur noire brillante. En bref, les vases grecs anciens présentent plusieurs techniques de peinture, et celles-ci sont souvent spécifiques à une période. Au cours des périodes géométriques et orientalisantes (900-600 avant JC), les peintres utilisaient des compas pour tracer des cercles parfaits et utilisaient des méthodes de silhouette et de contour pour délimiter les formes et les figures.

Vers 625-600 avant JC, Athènes a adopté la technique des figures noires (c'est-à-dire des figures de couleur sombre sur fond clair avec des détails incisés). Originaire de Corinthe près d'un siècle plus tôt, la figure noire utilise la silhouette en conjonction avec des couleurs et des incisions ajoutées. L'incision implique l'élimination de la barbotine à l'aide d'un instrument tranchant, et son application la plus magistrale se trouve peut-être sur une amphore d'Exekias. Souvent décrits comme Achille et Ajax jouant à un jeu, les guerriers assis se penchent vers le centre de la scène et sont vêtus de vêtements présentant des motifs incisés complexes. En plus d'afficher des figures définies de manière plus réaliste, les peintres à figures noires prenaient soin de différencier les sexes par la couleur : les femmes étaient peintes avec du blanc ajouté, les hommes restaient noirs.

La technique des figures rouges a été inventée à Athènes vers 525-520 avant notre ère et est l'inverse de la technique des figures noires. Ici, des figures de couleur claire sont placées sur un fond sombre. En utilisant de la couleur ajoutée et un pinceau pour peindre les détails, les peintres à figures rouges édulcoraient ou épaississaient l'engobe afin de créer différents effets. La barbotine diluée ou « glaçage dilué » a l'apparence d'un lavis et était utilisée pour les cheveux, la fourrure et l'anatomie, comme en témoignent le pelage sommaire du lièvre et la musculature du jeune à l'intérieur de cette coupe de Gorgos. Une fois épaissie, la barbotine était utilisée pour former ce qu'on appelle des « lignes en relief » ou des lignes qui s'élevaient de manière proéminente depuis la surface, et celles-ci étaient souvent utilisées pour tracer des formes. La technique du fond blanc est étonnamment similaire à celle à figures rouges.

Bien que visuellement très différent avec ses figures polychromes sur fond blanchi à la chaux, le fond blanc oblige l'artisan à peindre les détails des formes à l'instar des figures rouges, plutôt que de les inciser. A côté des personnages et des objets, on peut parfois trouver des inscriptions. Ceux-ci identifient des figures mythologiques, de beaux hommes ou femmes contemporains du peintre (inscriptions « kalos » / « kale »), et même le peintre ou le potier lui-même (« egrapsen » / « epoiesen »). Toutefois, les inscriptions ne sont pas toujours utiles. Imitant l'apparence d'un texte significatif, les « inscriptions absurdes » trompent le spectateur analphabète en disposant les lettres grecques de manière incohérente.

La qualité globalement attrayante des vases grecs, leur taille relativement petite et, à un moment donné, leur facilité d'obtention, les ont amenés à devenir des objets de collection très convoités aux XVIIIe et XIXe siècles. Depuis la fin du XIXe siècle, cependant, l'étude des vases est devenue une activité scientifique et leur décoration était l'obsession des connaisseurs doués de la capacité de reconnaître et d'attribuer les mains de chaque peintre. Le connaisseur de vases le plus connu du XXe siècle, chercheur soucieux d’attribution, de typologie et de chronologie, était Sir John Davidson Beazley.

Intéressé par les techniques athéniennes à figures noires, à figures rouges et à fond blanc, Beazley n'aimait pas les spécimens magnifiquement peints ; il était impartial et étudiait avec la même attention des pièces de qualité variable. À partir de ses examens fastidieux et exhaustifs, il a compilé plus de 1 000 peintres et groupes et attribué plus de 30 000 vases. Bien que certains chercheurs depuis la mort de Beazley continuent d'attribuer et d'examiner le style de peintres ou de groupes spécifiques, les spécialistes du vase s'interrogent aujourd'hui également sur la production technique des récipients, leurs contextes archéologiques, leur distribution locale et étrangère et leur iconographie. [KhanAcademy.org].

Les experts ont tendance à parler de « vases grecs » et de « peinture de vases grecs », plutôt que de poterie ou de céramique. Cette terminologie est utilisée depuis longtemps et reflète la relation longue et incontestablement étroite du matériau avec l'histoire de l'art. L'érudition sur les vases grecs s'est développée à partir du début du XVIIIe siècle, lorsqu'un grand nombre d'exemples ont commencé à être découverts en Italie.

Les grandes classifications de la poterie grecque sont les mêmes que pour toutes les autres : lieu, époque, forme, technique et décoration. La plupart ont été retrouvés dans des tombes. Les contextes domestiques sont rares car les sites ont été réutilisés ; il faut un volcan comme le Vésuve pour préserver la vie telle qu'elle a été vécue. Les contextes sanctuaires sont connus, mais eux aussi sont peu nombreux. Savoir où la poterie a été trouvée ne confirme pas nécessairement la fonction. Par exemple, certains objets trouvés dans les tombes ont été fabriqués pour des funérailles, mais d'autres ont été initialement fabriqués dans un autre but, utilisés, parfois même réparés, et enterrés avec les morts, vraisemblablement comme un bien précieux.

Cet article se concentre sur la poterie fine fabriquée au tour, cuite à des températures relativement élevées et décorée de diverses manières, mais de grandes quantités de poterie grecque ancienne grossière et non décorée sont connues aujourd'hui, et ce matériau n'est pas sans importance. La plupart des gens qui fabriquaient les poteries les plus fines fabriquaient probablement aussi d'autres produits en argile, tels que des sarcophages, des tuiles, des petits autels, des figurines en terre cuite et des plaques. Le seul endroit et la seule période où il y avait une production plus spécialisée de poterie décorée de figures plus raffinées est Athènes à la fin du VIe et du Ve siècle.

La poterie fabriquée en Grèce entre 1000 et 300 avant JC a été conservée en grande quantité. La plupart des exemples proviennent de tombes découvertes non seulement en Grèce, mais aussi dans de nombreuses régions de la région méditerranéenne, notamment en Italie, où la poterie était exportée en grande quantité dans l'Antiquité. La poterie « fine » à décor de figures, en particulier celle fabriquée à Athènes entre 625 et 300 avant JC, est d'une grande importance pour les archéologues et les historiens car les formes et les styles de décoration peuvent être datés de près, souvent jusqu'à vingt ans après leur fabrication.

La capacité des chercheurs à reconnaître des peintres individuels ayant vécu il y a plus de 2 500 ans, en l’absence de signatures et de documentation littéraire contemporaine, a fait de l’étude de la poterie grecque décorée de figures un sujet d’histoire de l’art. La connaissance des vases grecs, en particulier athéniens, est un modèle d'excellence, combinant un examen personnel attentif des objets avec une documentation rigoureuse des formes, des techniques et des styles de décoration.

La poterie grecque était fabriquée par des personnes parlant grec. Un nombre important d'entre eux vivaient en dehors de la zone aujourd'hui reconnue comme la Grèce. Il existe, par exemple, une richesse de matériel provenant des établissements côtiers de la Turquie moderne et de certaines de ses îles au large, en particulier du 6ème siècle. Des poteries de style grec étaient également fabriquées en Méditerranée occidentale, par exemple dans le sud de l'Italie et en Sicile, à partir de la fin du Ve siècle. L'interaction entre Grecs et non-Grecs a affecté les formes, les techniques et la décoration de la poterie grecque.

La poterie peinte grecque a une longue histoire. Conventionnellement, les premiers exemples sont datés d'environ 1000 avant JC, le dernier d'environ 300 avant JC. La tradition remonte aux céramiques de l'âge du bronze (crétoise et mycénienne), et s'est poursuivie jusqu'à l'époque hellénistique ultérieure, mais ces deux groupes sont suffisamment différents des principaux. séquence qu’ils ont tendance à être étudiés séparément. Qu’est-ce qui maintient la séquence principale ensemble ? La réponse réside dans l’histoire politique, sociale et économique, tout autant que dans la connaissance de l’empotage et de la peinture transmise de génération en génération. Classiquement les poteries les plus fines de ces 700 ans sont divisées en groupes, par siècles ou demi, voire quarts de siècles, selon les styles et les techniques de décoration.

Parce que la poterie peut être datée de près, souvent à 20 ou 25 ans près, grâce à des dates absolues et relatives, on a tendance à l'utiliser pour dater d'autres types d'objets, trouvés à la fois en Grèce et dans les pays où les Grecs voyageaient, faisaient du commerce et s'installaient. . Il existe également une tendance à utiliser des termes adoptés pour les styles de décoration en poterie pour désigner des périodes de temps. Par exemple, on parle souvent de « Grèce géométrique », mais cette terminologie n'est pas précise et doit être évitée ; « Athènes géométrique » n'est pas la même chronologiquement que « Corinthe géométrique ».

Les bons manuels présentent la poterie grecque par ordre chronologique, avec des sous-sections consacrées aux régions. Seule Athènes figure en bonne place comme centre de production à toutes les périodes, et c'est pour cette raison que l'athénien est utilisé dans la brève introduction suivante aux principaux styles et techniques. Dans les styles protogéométrique et géométrique, la technique n'est généralement rien de plus qu'une peinture sombre sur un fond clair. « Orientalisant » est le nom donné au style suivant, produit selon diverses techniques, sous l'influence orientale croissante à partir d'environ 700 avant JC. Certains Grecs, parmi lesquels les Athéniens, dessinaient leurs figures sur des poteries, comme ils auraient pu les peindre sur des murs.

D'autres, initialement les Corinthiens, incisent des détails sur la silhouette des personnages avec un outil tranchant, comme ils auraient pu ciseler des décorations sur du métal. Pendant un siècle ou plus, selon l'endroit où ils vivaient, les Grecs ont développé des cités-États, certaines sous la direction de puissants tyrans, et ont eu accès à des produits de « luxe » plus orientaux. À partir de petits objets portables, par exemple en métal ou en ivoire, ils reprenaient des motifs décoratifs courants et les adaptaient à leurs propres besoins. La jouissance du luxe oriental fut cependant restreinte à partir du milieu du VIe siècle, après quoi les Perses commencèrent à conquérir les colonies grecques à l'est et même à menacer les Grecs chez eux.

Bien qu'elle n'ait jamais été aussi célèbre artistiquement qu'Athènes ni aussi renommée militairement que Sparte, la cité-état de Corinthe fut néanmoins un acteur majeur de la renaissance de la Grèce au cours du premier millennium avant JC, contribuant notamment au développement des arts visuels qui atteignit son apogée au XVIIIe siècle. 5ème siècle avant JC Sa situation géographique favorable - située sur l'isthme entre le Péloponnèse et l'Attique, avec un accès facile à l'Adriatique à l'ouest et à la mer Égée à l'est - et sa capacité particulière à prospérer ont soutenu une histoire mouvementée depuis le néolithique jusqu'à et au-delà du sac de Corinthe par les Romains en 146 av.

Le récit de Pausanias sur sa visite à Corinthe au IIe siècle après J.-C. relate la variété de mythes longtemps associés à la région - la Truie de Krommyon tuée par Thésée, le brigand Sinis qui déchira ses victimes entre deux pins pliés, la fondation de la Jeux isthmiques de Sisyphe - ainsi que les nombreux édifices anciens encore debout, du temple archaïque d'Apollon aux sources de Pirène, de la riche Agora au sanctuaire d'Aphrodite. Le terme utilisé par Strabon pour désigner ces reliques de la ville antérieure, « Necrocorinthia », a été utilisé par Humfrey Payne comme titre de son important livre de 1933 sur la poterie corinthienne.

À partir du 8ème siècle avant JC, de nombreuses autres colonies locales furent attirées par la riche plaine côtière, les nombreuses sources, les ports de Lechaion et Kenchriai et l'acropole escarpée de l'Acrocorinthe offrant une protection, de sorte que Corinthe fut en mesure de s'étendre, établir des colonies à l'étranger, notamment à Corfou et en Sicile, et poursuivre un plus grand commerce extérieur. Les premières fouilles archéologiques modernes furent entreprises par les Allemands en 1886. À partir de 1896, des fouilles systématiques furent poursuivies par l'École américaine d'études classiques d'Athènes.

Des poteries protogéométriques de la fin de l'âge du bronze et du début de l'âge du fer ont été découvertes, mais c'est le style géométrique ultérieur qui est bien représenté. Des vases corinthiens fabriqués dans la première moitié du VIIIe siècle avant JC ont été découverts dans le sanctuaire voisin de Perachora et à Delphes, plus loin le long du golfe corinthien, à Aetos sur Corfou et dans toute la Sicile et l'Italie du Sud, fournissant aux archéologues des preuves de l'exploration corinthienne de la mer. itinéraires et pour la datation des sites.

À la fin du VIIIe siècle, alors que le style géométrique touchait à sa fin, le contact corinthien avec le Proche-Orient fut un stimulant pour le style orientalisant de la poterie grecque. Les preuves provenant des fouilles du « quartier des potiers », à un mile à l'ouest de Corinthe, semblent soutenir cet intérêt résurgent pour les objets peints. Les motifs géométriques traditionnellement angulaires ont été remplacés par la flore et la faune tout en courbes qui caractérisent le style protocorinthien. Pendant une grande partie des VIIe et VIe siècles, Corinthe a dominé le monde grec dans la production et l'exportation de poterie.

Lorsque les objets attiques ont remplacé les objets corinthiens au milieu du VIe siècle, Corinthe avait laissé un héritage important de développements artistiques, non seulement dans la poterie, mais aussi dans l'architecture, qui avait prospéré sous la puissante et aristocratique famille Bacchiad, comme le décrit Hérodote. Une monarchie fut établie par Kypsélos en 657, dont le successeur, Périandre, fut peut-être responsable de la construction du chemin de pierre (diolkos) par lequel les navires étaient traînés à travers l'isthme. De nombreuses guerres au cours des siècles suivants érodèrent les ressources de Corinthe et la ville tomba aux mains de Philippe de Macédoine en 338. Sa participation à la Confédération achéenne dans la Seconde Guerre macédonienne a finalement conduit à son limogeage en 146, mais Corinthe a été refondée en tant que colonie romaine. Au moment où Paul y établit une église paléochrétienne à la fin du 1er siècle après JC, Corinthe était redevenue une ville splendide.

Historiquement, Athènes a reçu une grande partie du mérite pour avoir empêché la Grèce de faire partie de l’Empire perse. Le Ve siècle fut sa plus belle période, documentée dans la littérature contemporaine, qui a survécu, et célébrée dans l'art monumental qui a également survécu ; l'exemple le plus célèbre est le Parthénon. Le Ve siècle et la fin du VIe siècle sont aussi la période où l'on fabrique les meilleures poteries. Ce qui le distinguait était la richesse du récit, la précision technique et un sens aigu de la conception esthétique.

Les propres aspirations d'Athènes à l'empire furent anéanties à la fin du Ve siècle, après qu'elle entra dans un conflit désastreux avec sa rivale Sparte, qui est également documenté dans la littérature contemporaine. Économiquement, elle semble s'être rétablie assez rapidement, mais de grands artistes étaient déjà partis chercher du mécénat ailleurs. La production de poterie a également souffert. Dans l'ensemble, la qualité de la forme et la technique de décoration tendaient à décliner, nous laissant l'impression que la belle peinture était exécutée sur des murs et non plus sur des poteries.

La relation entre la peinture grecque et la poterie grecque intrigue depuis longtemps les chercheurs. La poterie grecque, même la plus belle, à décor de figures, a été conservée en quantité. Aujourd'hui, plus de 100 000 exemplaires d'Athéniens, de 600 à 300 avant JC, sont conservés dans des musées et des collections privées du monde entier. La peinture grecque, en revanche, de 1000 à 300 avant JC a à peine survécu. Il existe des peintures murales provenant de structures palatiales de l'âge du bronze et des peintures funéraires de la Macédoine de la fin du IVe siècle, mais très peu de choses provenant de la Grèce continentale. La désignation des peintres muraux dans les sources littéraires anciennes, la description du sujet de peintures célèbres et les discussions sur les techniques rendent irrésistible pour les érudits la recherche d'un aperçu de cet art perdu.

Nous connaissons rarement le nom ancien des formes, même si nous disposons de littérature contemporaine. Les images peintes sur la poterie peuvent fournir les indices les plus fiables pour relier la fonction à la forme. Les formes présentent une continuité et une remarquable homogénéité sur une longue période. Même dans l’Athènes du Ve siècle, à l’apogée de la « belle » production, il n’y en a guère plus de 30. Parmi ceux-ci, moins de la moitié sont communs. Dans l'ensemble, il n'y a qu'une modeste variété dans la technique, le design et les éléments décoratifs.

Les chiffres dominent ; ils sont généralement humains et sont généralement encadrés par des modèles qui, bien que variés, dérivent d'une gamme modeste d'éléments constitutifs. La cohérence globale, due à une production à grande échelle et assez sophistiquée, et au grand nombre d'exemplaires conservés, a aidé Sir John Beazley, entre autres, à classer le matériel. Beazley était si méticuleux dans l'enregistrement des détails sur la poterie athénienne décorée de figures du VIe au IVe siècle qu'elle pouvait être transférée sur ordinateur avec un minimum de modifications.

La forme d'art la plus proche qui a été conservée est la peinture sur poterie, et la principale poterie à l'époque des grands peintres muraux est athénienne. De 600 à 500 environ, les principales techniques céramiques étaient les figures noires sur fond rouge (figure noire), et de 500 à 300 environ, une procédure de cuisson inversée, donnant des figures rouges sur fond noir (figure rouge). Aucune des deux techniques n'est très réaliste, mais toutes deux sont durables et exploitent la rougeur naturelle de l'argile athénienne, riche en fer.

Une troisième technique dessine des figures sur un fond rendu blanc en utilisant une argile spéciale exempte d'oxydes de fer, appliquée sur l'argile rougeâtre commune. Cette technique dite du fond blanc (fond blanc) a une histoire assez longue, mais n'est courante qu'à Athènes au 5ème siècle. Il donne un effet plus réaliste que les figures noires et rouges et permet l'ajout de couleurs allant du jaune au rose, rouge, violet et bleu - et se rapproche probablement le plus de la peinture sur panneaux et murs. La technique du dessin est cependant généralement la même que celle des figures rouges.

Les sources anciennes décrivent les progrès réalisés dans l’art de la peinture, et certaines peuvent être largement mises en parallèle avec la poterie athénienne. Voici quelques exemples, par ordre chronologique. Jusqu'à environ 520 avant JC, la figure humaine était représentée comme elle l'avait été dans tous les arts bidimensionnels antérieurs, de profil ou, plus rarement, dans une combinaison de vues de profil et de face. Puis, sur de grandes formes en argile bien réalisées, quelques peintres expérimentèrent vers la fin du VIe siècle des poses plus réalistes, tentant de montrer le corps humain tel qu'il était dans la vie, et non stylisé comme il l'était dans l'art.

Ils ont également tenté de le montrer en mouvement. Dans les sources anciennes (Pline, Histoire Naturelle 35.55-6), un homme nommé Kimon de la ville de Kleonai aurait inventé à cette époque des vues de trois quarts, montrant des personnages dans diverses poses, regardant vers le haut, vers le bas, vers l'arrière, etc. ., avec des parties de leur corps clairement articulées - os et muscles, voire veines - et des draperies avec des plis et des plis. Des progrès similaires peuvent être observés dans la sculpture, en particulier dans le bas-relief, à peu près à la même époque, mais les premiers pas vers le changement artistique pourraient bien provenir des dessinateurs.

  Au milieu du Ve siècle, un petit nombre de formes fines et grandes comportent des figures disposées sur différents niveaux, et non sur une seule ligne de fond comme dans l'art antérieur. A cette époque, les sources anciennes nous disent que l'un des peintres grecs les plus célèbres, Polygnotos, de l'île grecque de Thasos, au nord de la Grèce, introduisait des figures à différents niveaux dans des peintures qu'il exécutait sur les murs de certains des bâtiments les plus prestigieux, à Delphes. et Athènes.

  A la fin du Ve siècle, on raconte que Parrhasios et Zeuxis, les plus grands peintres de leur temps, introduisirent de nouvelles techniques. On dit que le premier a utilisé le contour de manière nouvelle, ce qui a permis d'obtenir un plus grand réalisme, tandis que le second a ombré. Ces progrès techniques, aussi fondamentaux pour la peinture occidentale ultérieure que l'abandon de la vue de profil rigide au début du siècle, peuvent être mis en parallèle sur certaines poteries exceptionnelles à fond blanc datées, selon des critères indépendants, d'environ 400 avant JC.

  Les experts ont tendance à parler de « vases grecs » et de « peinture de vases grecs », plutôt que de poterie ou de céramique. Cette terminologie est utilisée depuis longtemps et reflète la relation longue et incontestablement étroite du matériau avec l'histoire de l'art. L'érudition sur les vases grecs s'est développée à partir du début du XVIIIe siècle, lorsqu'un grand nombre d'exemples ont commencé à être découverts en Italie.

  Les grandes classifications de la poterie grecque sont les mêmes que pour toutes les autres : lieu, époque, forme, technique et décoration. La plupart ont été retrouvés dans des tombes. Les contextes domestiques sont rares car les sites ont été réutilisés ; il faut un volcan comme le Vésuve pour préserver la vie telle qu'elle a été vécue. Les contextes sanctuaires sont connus, mais eux aussi sont peu nombreux. Savoir où la poterie a été trouvée ne confirme pas nécessairement la fonction. Par exemple, certains objets trouvés dans les tombes ont été fabriqués pour des funérailles, mais d'autres ont été initialement fabriqués dans un autre but, utilisés, parfois même réparés, et enterrés avec les morts, vraisemblablement comme un bien précieux.

  Le dernier élément de la classification de Sir John Beazley était l'identification des peintres individuels. Il a pu confier aux peintres environ la moitié des vases qu'il connaissait, même fragmentaires ou de mauvaise qualité, et ceux-ci ont été répertoriés dans des listes publiées des années 1920 jusqu'en 1970, année de sa mort. Depuis 1979, ces listes sont tenues à jour électroniquement. [Université d'Oxford].

  AVIS: Une comparaison de pièces antérieures (du Néolithique et du début de l'âge du bronze [IIe millennium avant JC]) montre les améliorations que le tour de potier apportait à la finesse et aux formes des récipients. Des exemples de l'âge du bronze (datant tous d'avant 1 100 avant JC) provenant de Chypre, de Crète (articles dits « minoens ») et du continent grec (appelés « mycéniens ») montrent une variété d'articles grossiers et fins, certains fabriqués à la main. et d'autres réalisés au tour de potier.

  L'interaction des Grecs et des peuples du Proche-Orient est suggérée par les similitudes entre ces produits et ceux utilisés par leurs voisins orientaux, et par l'inclusion de motifs « orientaux » tels que les lions, les sphinx et les lotus, en particulier sur les vases archaïques (ceux fabriqués à l'époque). de 700 à 480 avant JC). Les articles « Naucratite » (provenant de Naucratis, un comptoir commercial grec en Égypte) montrent l'infusion des styles grecs en Égypte.

  Au cours de la période archaïque élevée (VIIe-VIe siècles avant JC), les Corinthiens étaient les plus grands producteurs d'objets décorés grecs et ils furent les pionniers du développement du style dit à figures noires (figures noires sur fond rouge). Les Athéniens ont repris ce style et sont devenus avec lui les principaux producteurs d'objets décoratifs au 6ème siècle avant JC. Ils ont également expérimenté davantage de techniques, dont la plus importante est devenue le style à figures rouges (figures rouges sur fond noir), qui a commencé à produire en 530 avant JC

  Après qu'Athènes ait perdu sa fortune lors de la guerre du Péloponnèse (431-404 avant JC), nombre de ses artistes cherchèrent des marchés à l'étranger (par exemple, le style de Kertch fut utilisé pour les exportations athéniennes vers la région de la mer Noire au 4ème siècle avant JC). Certains de ces artistes ont déménagé à l'étranger et ont créé des entreprises prospères dans le sud de l'Italie - dans les régions de Sicile, des Pouilles, de Lucanie et de Campanie, ainsi que dans des villes comme Gnathia (Egnazia) et Paestum - où ils ont adapté le style à figures rouges aux tissus locaux, formes et décorations. Ces styles hellénistiques et plus tard tiraient particulièrement parti de l’utilisation de couleurs ajoutées. [Musée URE d'archéologie grecque].

  AVIS: On connaît les noms de certains potiers et peintres de vases grecs car ils signaient leurs œuvres. Généralement, un peintre signait son nom suivi d'une forme du verbe « peindre », tandis qu'un potier (ou peut-être le peintre qui écrivait pour lui) signait son nom avec « fait ». Parfois, la même personne peut à la fois poter et peindre : Exekias et Epiktetos, par exemple, signent à la fois comme potier et comme peintre. À d'autres moments, le potier et le peintre étaient des personnes différentes et l'un d'eux, ou les deux, signait. Cependant, tous les peintres ou potiers ne signaient pas toutes leurs œuvres. Certains semblent n'avoir jamais signé leurs vases, à moins que par hasard des pièces signées par ces artisans n'aient pas survécu.

  Même dans le cas de vases non signés, il est parfois possible, grâce à un examen minutieux de détails de style, de reconnaître des pièces du même artiste. L'attribution de vases athéniens non signés à figures noires et rouges à des peintres nommés et anonymes a été lancée au XXe siècle par Sir John Davidson Beazley. D'autres chercheurs ont développé des systèmes similaires pour d'autres groupes de vases, notamment le professeur AD Trendall pour les objets à figures rouges du sud de l'Italie. Pour plus de commodité, Beazley et les autres ont donné divers surnoms aux peintres anonymes qu'ils ont identifiés.

  Certains portent le nom des potiers connus avec lesquels ils semblent avoir collaboré - les peintres Brygos et Sotades, par exemple, tirent leur nom des potiers portant ces noms. D'autres peintres sont nommés d'après le lieu de découverte ou l'emplacement actuel d'un vase clé, comme les peintres de Lipari ou de Berlin. Quelques-uns, comme le Peintre Burgon, tirent leur nom d'anciens ou actuels propriétaires de vases clés. D'autres sont nommés à partir des sujets de vases clés, comme les peintres Niobid, Siren ou Cyclope, ou bien à partir de particularités de style, comme The Affecter ou Elbows Out Painters. [Musée anglais]

 

    AVIS: La poterie grecque antique à figures noires (du nom de la couleur des représentations sur la poterie) a été produite pour la première fois à Corinthe, vers 700 avant JC, puis adoptée par les peintres potiers de l'Attique, où elle deviendra le style décoratif dominant à partir de 625 avant JC et permettre à Athènes de dominer le marché méditerranéen de la poterie pour les 150 prochaines années. La Laconie fut un troisième producteur, quoique mineur, de ce style dans la première moitié du VIe siècle avant JC. Les plus de 20 000 vases à figures noires survivants permettent non seulement d'identifier les artistes et les ateliers, mais fournissent également les représentations les plus anciennes et les plus diverses. de la mythologie grecque, des pratiques religieuses, sociales et sportives. Les récipients en poterie constituent également un outil important pour déterminer la chronologie de la Grèce antique.

  Évolution des dessins géométriques antérieurs sur la poterie, la technique des figures noires représentait des animaux (plus appréciés à Corinthe) et des silhouettes humaines (préférées à Athènes) avec des détails naturalistes. Avant la cuisson, un pigment noir brillant composé de potasse, d'argile de fer et de vinaigre (comme fixateur) était appliqué en couche épaisse sur les vases et donnait un léger effet de relief. Des détails supplémentaires tels que des muscles et des cheveux ont été ajoutés aux personnages à l'aide d'un instrument pointu pour inciser le noir afin de révéler le récipient en argile situé en dessous et en ajoutant des touches de peinture rouge et blanche. Les bordures et les bords des récipients étaient souvent décorés de motifs floraux, de lotus et de palmettes.

  Certaines conventions de couleurs ont été adoptées comme le blanc pour la chair féminine, le noir pour la chair masculine. D'autres conventions étaient une forme en amande pour les yeux des femmes, circulaires pour les hommes, les enfants sont comme les adultes mais à plus petite échelle, les jeunes hommes sont imberbes, les hommes âgés ont les cheveux blancs et parfois courbés, et les femmes plus âgées sont plus rondes. Certains gestes sont également devenus conventionnels comme la main sur la tête pour représenter le chagrin. Une autre caractéristique frappante du style est le manque de naturalisme littéral. Les personnages sont souvent représentés avec un visage de profil et un corps frontal, et les coureurs sont dans la position impossible des bras et des jambes gauches (ou droits) avançant. Il y a eu cependant quelques tentatives pour obtenir une perspective, les vues frontales des chevaux et des chars étant particulièrement populaires.

  Les récipients typiques de ce style sont les amphores, les lekythoi (bouteilles à anse), les kylixes (gobelets à pied), les tasses simples, les pyxides (boîtes à couvercle) et les bols. Les peintres et les potiers étaient généralement, mais pas toujours, des spécialistes distincts. Le premier vase signé était de Sophilos et date d'environ 570 avant JC. De nombreux autres peintres individuels ont été identifiés avec certitude grâce à leurs signatures (le plus souvent « ... fait ceci ») et de nombreux autres artistes non signés peuvent être reconnus grâce à leur style particulier.

  L'exemple le plus célèbre de cette technique est peut-être le vase François, un grand cratère en volute, de Kleitias (vers 570 avant JC), qui mesure 66 cm de haut et est recouvert de 270 figures humaines et animales représentant une gamme étonnante de scènes et de personnages de la mythologie grecque, notamment , entre autres, les dieux de l'Olympe, les centaures, Achille et Pélée. 

  Cette technique sera finalement remplacée par la technique des figures rouges (inversées) vers 530 avant JC. Les deux styles furent parallèles pendant un certain temps et il existe même des exemples « bilingues » de vases avec les deux styles, mais la technique à figures rouges, avec sa tentative de représenter de manière plus réaliste la figure humaine, deviendra finalement le style préféré de la décoration de la poterie grecque. [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

  AVIS: La peinture sur poterie à figures noires, également connue sous le nom de style à figures noires ou céramique à figures noires, est l'un des styles de peinture sur vases grecs antiques. Il était particulièrement courant entre le VIIe et le Ve siècle avant JC, bien qu'il existe des spécimens datant aussi tard que le IIe siècle avant JC. Stylistiquement, il peut être distingué de la période orientalisante précédente et du style de poterie à figures rouges qui a suivi. Des figures et des ornements étaient peints sur le corps du navire en utilisant des formes et des couleurs rappelant des silhouettes. Des contours délicats étaient incisés dans la peinture avant la cuisson, et les détails pouvaient être renforcés et mis en valeur avec des couleurs opaques, généralement du blanc et du rouge.

  Les principaux centres de ce style étaient initialement le centre commercial de Corinthe, puis Athènes. D’autres sites de production importants se trouvent en Laconie, en Béotie, dans l’est de la Grèce et en Italie. C'est notamment en Italie que se sont développés des styles individuels destinés au moins en partie au marché étrusque. Les vases grecs à figures noires étaient très populaires auprès des Étrusques, comme en témoignent les fréquentes importations. Les artistes grecs créaient des produits personnalisés pour le marché étrusque, dont la forme et le décor différaient de leurs produits normaux. Les Étrusques développèrent également leur propre industrie de la céramique à figures noires orientée sur les modèles grecs.

  La peinture à figures noires sur vases fut le premier style artistique à donner naissance à un nombre important d’artistes identifiables. Certains sont connus sous leur véritable nom, d’autres uniquement sous le nom pragmatique qui leur a été donné dans la littérature scientifique. L'Attique était particulièrement la patrie d'artistes de renom. Certains potiers introduisirent diverses innovations qui influencèrent fréquemment le travail des peintres ; parfois ce sont les peintres qui inspirent l'originalité des potiers. Les vases à figures rouges et à figures noires constituent l'une des sources les plus importantes de la mythologie et de l'iconographie, et parfois aussi pour la recherche quotidienne sur la vie grecque antique. Depuis le 19ème siècle au plus tard, ces vases font l'objet d'investigations intensives.

  La base de la peinture sur poterie est le support d’image, c’est-à-dire le vase sur lequel une image est peinte. Les formes populaires alternent avec les modes passagères. Alors que beaucoup sont réapparus après des intervalles, d'autres ont été remplacés au fil du temps. Mais ils avaient tous une méthode de fabrication commune : une fois le vase fabriqué, il était d'abord séché avant d'être peint. Les ateliers étaient sous le contrôle des potiers qui, en tant que propriétaires d'entreprises, jouissaient d'une position sociale élevée.

  La mesure dans laquelle les potiers et les peintres étaient identiques est incertaine. Il est probable que de nombreux maîtres potiers eux-mêmes aient apporté leur principale contribution au processus de production en tant que peintres de vases, tout en employant des peintres supplémentaires. Il n’est cependant pas facile de reconstruire les liens entre potiers et peintres. Dans de nombreux cas, comme Tleson et le peintre de Tleson, Amasis et le peintre d'Amasis ou même Nikosthène et le peintre N, il est impossible de faire des attributions sans ambiguïté, bien que dans une grande partie de la littérature scientifique, ces peintres et potiers soient supposés être la même personne. . Mais de telles attributions ne peuvent être faites avec certitude que si les signatures du potier et du peintre sont disponibles.

  Les peintres, qui étaient soit des esclaves, soit des artisans payés comme peintres sur poterie, travaillaient sur des vases non cuits et séchés en cuir. Dans le cas de la production à figures noires, le sujet était peint sur le vase avec une pâte d'argile (une barbotine brillante, également appelée vernis dans la littérature ancienne) qui devenait noire après la cuisson. Il ne s'agissait pas d'une « couleur » au sens traditionnel du terme, puisque cette barbotine de surface était du même matériau que le vase lui-même, ne différant que par la taille des particules qui le constituaient. La zone réservée aux personnages a d'abord été peinte avec un outil semblable à un pinceau.

  Les contours internes et les détails structurels ont été incisés dans la barbotine afin que l'argile sous-jacente puisse être vue à travers les rayures. Deux autres pigments à base de terre étaient utilisés pour ajouter des détails : le rouge et le blanc pour les ornements, les vêtements ou parties de vêtements, les cheveux, les crinières d'animaux, les parties d'armes et autres équipements. Le blanc était également fréquemment utilisé pour représenter la peau des femmes. Le succès de tous ces efforts ne pouvait être jugé qu'après un processus de cuisson complexe en trois phases qui générait la couleur rouge de l'argile du vase et le noir de la barbotine appliquée.

  Plus précisément, le récipient a été cuit dans un four à une température d'environ 800 °C, l'oxydation qui en résulte lui a donné une couleur rouge-orange. La température a ensuite été augmentée à environ 950 °C avec les évents du four fermés et du bois vert ajouté pour éliminer l'oxygène. Le navire est alors devenu globalement noir. La dernière étape nécessitait la réouverture des évents pour permettre à l'oxygène d'entrer dans le four, qui pouvait refroidir. Le récipient a ensuite retrouvé sa couleur rouge-orange en raison d'une nouvelle oxydation, tandis que la couche peinte désormais frittée est restée la couleur noire brillante qui avait été créée lors de la deuxième étape.

 

  Bien que la notation soit l’un des principaux indicateurs stylistiques, certaines pièces s’en passent. Pour ceux-ci, la forme est techniquement similaire au style orientalisant, mais le répertoire d'images ne reflète plus la pratique orientalisante. L'évolution de la peinture sur poterie à figures noires est traditionnellement décrite en termes de différents styles et écoles régionaux. En utilisant Corinthe comme plaque tournante, il existait des différences fondamentales dans les productions des différentes régions, même si elles s'influençaient mutuellement. Surtout en Attique, mais pas exclusivement là-bas, les artistes les meilleurs et les plus influents de leur époque ont caractérisé la peinture sur poterie grecque classique.

  La technique des figures noires a été développée vers 700 avant JC à Corinthe et utilisée pour la première fois au début du VIIe siècle avant JC par les peintres potiers protocorinthiens, qui peignaient encore dans le style orientalisant. La nouvelle technique rappelle les pièces métalliques gravées, la vaisselle en métal, plus coûteuse, étant remplacée par des vases en poterie sur lesquels sont peints des personnages. Un style caractéristique à figures noires développé avant la fin du siècle. La plupart des éléments orientalisants ont été abandonnés et il n'y a plus d'ornements à l'exception de rosaces tamponnées (les rosaces étant formées par un agencement de petits points individuels).

  L'argile utilisée à Corinthe était molle, avec une teinte jaune, parfois verte. Un tir défectueux était une évidence, se produisant chaque fois que la procédure de tir compliquée ne fonctionnait pas comme souhaité. Le résultat était souvent une coloration indésirable de l’ensemble du vase, ou de certaines parties de celui-ci. Après cuisson, l'engobe brillant appliqué sur le vase est devenu noir terne. Les couleurs supplémentaires rouges et blanches sont apparues pour la première fois à Corinthe et sont ensuite devenues très courantes. Les récipients peints sont généralement de petit format, dépassant rarement 30 cm. Les flacons d'huile (alabastra, aryballos), les pyxides, les cratères, les oenochoes et les coupes étaient les récipients les plus couramment peints. Les vases sculptés étaient également très répandus.

  Contrairement aux vases attiques, les inscriptions sont rares, et les signatures des peintres encore plus. La plupart des vases survivants produits à Corinthe ont été retrouvés en Étrurie, en basse Italie et en Sicile. Au VIIe et dans la première moitié du VIe siècle avant JC, la peinture sur vase corinthien dominait le marché méditerranéen de la céramique. Il est difficile de construire une séquence stylistique pour la peinture sur vase corinthien. Contrairement à la peinture attique, par exemple, les proportions des fondations en poterie n'ont pas beaucoup évolué. Il est aussi souvent difficile de dater les vases corinthiens ; il faut souvent s'appuyer sur des dates secondaires, comme la fondation des colonies grecques en Italie.

  Sur la base de ces informations, une chronologie approximative peut être établie à l'aide de comparaisons stylistiques, mais elle est rarement aussi précise que la datation des vases attiques. Des scènes mythologiques sont fréquemment représentées, notamment Héraclès et des personnages liés à la guerre de Troie. Mais les images des vases corinthiens n’ont pas une gamme thématique aussi large que celle des œuvres ultérieures des peintres attiques. Les dieux sont rarement représentés, Dionysos jamais. Mais le cycle thébain était plus populaire à Corinthe que plus tard à Athènes. Les combats, les cavaliers et les banquets étaient principalement les scènes de la vie quotidienne les plus courantes, ces dernières apparaissant pour la première fois au début de la période corinthienne.

  Les scènes de sport sont rares. Les scènes avec des danseurs au gros ventre sont uniques et leur signification est encore controversée. Il s'agit de buveurs dont le ventre et les fesses sont rembourrés d'oreillers et qui pourraient représenter une des premières formes de comédie grecque. Le style transitionnel (640-625 av. J.-C.) reliait le style orientalisant (proto-corinthien) au style à figures noires. L'ancien style de frise animalière de la période proto-corinthienne s'était tari, tout comme l'intérêt des peintres de vases pour les scènes mythologiques. Durant cette période, les créatures animales et hybrides étaient dominantes. La forme emblématique de l'époque était l'aryballe sphérique, produit en grand nombre et décoré de frises d'animaux ou de scènes de la vie quotidienne.

  La qualité de l'image est inférieure à celle de la période orientalisante. Les artistes les plus distingués de l'époque étaient le Peintre du Taureau Shambling, dont l'œuvre la plus célèbre est un aryballe avec une scène de chasse, le Peintre de Palerme 489 et son disciple, le Peintre de Colomb. Le style personnel de ce dernier se reconnaît plus facilement dans ses images de lions puissants. Outre l'aryballe, le kotyle et l'alabastron sont les formes de vase les plus importantes. Les bords des kotyles étaient ornés et les autres décorations étaient constituées d'animaux et de raies. Les deux surfaces verticales du vase présentent fréquemment des scènes mythologiques. Les albâtres étaient généralement peints avec des figures uniques.

  Le Peintre du Duel était le plus important peintre corinthien (625-600 avant JC) qui représentait des scènes de combat sur des aryballes. À partir de la période corinthienne moyenne (600-575 avant JC), les couleurs opaques étaient de plus en plus utilisées pour mettre en valeur les détails. Les personnages ont également été peints à l’aide d’une série de points blancs. Les aryballes sont devenus plus grands et ont reçu une base plate. Le peintre Pholoé est bien connu, son œuvre la plus célèbre étant un skyphos avec une image d'Héraclès. Le peintre de Dodwell a continué à peindre des frises d'animaux, même si d'autres peintres avaient déjà abandonné cette tradition. Sa période de création s'étend jusqu'à la fin de la période corinthienne et son influence ne peut être surestimée sur la peinture sur vase de cette époque.

  Le maître du groupe Gorgoneion et le peintre de la cavalcade jouissaient également d'une réputation exceptionnelle, recevant cette désignation en raison de sa préférence pour la représentation de cavaliers sur les intérieurs de coupes ; il était actif vers 580 avant JC. Deux de ses chefs-d'œuvre sont une coupe représentant le suicide d'Ajax et un cratère à colonne représentant des mariés dans un char. Tous les chiffres indiqués sur le bol sont étiquetés. Le premier artiste connu de nom est le peintre de vases polychromes Timonidas (de), qui a signé une fiole et un pinax. Le nom d'un deuxième artiste, Milonidas, apparaît également sur un pinax.

  La cruche à vin corinthienne olpe a été remplacée par une version attique de l'oinochoé avec un rebord en forme de trèfle. À l’époque du Corinthien moyen, les représentations de personnes sont redevenues plus courantes. Le cratère Eurytios, daté d'environ 600 avant JC, est considéré comme d'une qualité particulièrement élevée ; il montre un symposium dans la frise principale avec Héraclès, Eurytios et d'autres personnages mythiques. À l'époque corinthienne tardive (parfois désignée fin Corinthien I, 575-550 avant JC), les vases corinthiens avaient un revêtement rouge pour rehausser le contraste entre les grandes zones blanches et la couleur plutôt pâle du récipient en argile.

  Cela mettait les artisans corinthiens en concurrence avec les peintres potiers attiques, qui avaient entre-temps acquis un rôle de premier plan dans le commerce de la poterie. Les formes des vases attiques étaient également de plus en plus copiées. Les Oinochoes, dont la forme était restée fondamentalement inchangée jusqu'à cette époque, ont commencé à ressembler à des formes attiques ; le lekythos a également commencé à être de plus en plus produit. Le cratère à colonnes, invention corinthienne qui était pour cette raison appelé korinthios dans le reste de la Grèce, fut modifié. Le raccourcissement des volutes au-dessus des anses a donné naissance au cratère chalcidique. Le champ principal de l'image était décoré de diverses représentations de la vie quotidienne ou de scènes mythologiques, le champ secondaire contenait une frise animalière. Le dos présentait souvent deux gros animaux.

  Les coupes étaient déjà devenues plus profondes à l'époque du milieu corinthien et cette tendance s'est poursuivie. Ils sont devenus aussi populaires que les kotyles. Beaucoup d’entre eux présentent des scènes mythologiques à l’extérieur et une grimace de gorgone à l’intérieur. Ce type de peinture fut également adopté par les peintres attiques. De leur côté, les peintres corinthiens ont repris les champs d'images encadrées d'Athènes. Les frises d'animaux sont devenues moins importantes. À cette époque, le troisième peintre corinthien au nom connu, Charès, était actif. Il convient également de mentionner le peintre Tydeus, qui, vers 560 avant JC, aimait peindre des amphores à col sur fond rouge.

  Des rosaces incisées ont continué à être placées sur les vases ; il n'en manque que sur quelques cratères et coupes. L'œuvre d'art la plus remarquable de cette période est l'Amphiaraos Krater, un cratère à colonnes créé vers 560 avant JC comme œuvre majeure du peintre Amphiaraos. Il montre plusieurs événements de la vie du héros Amphiaraos. Vers 550 avant JC, la production de vases figurés prit fin. Le style corinthien tardif II suivant est caractérisé par des vases uniquement avec des ornements, généralement peints avec une technique de silhouette. Il fut remplacé par le style à figures rouges, qui n'atteignit cependant pas une qualité particulièrement élevée à Corinthe.

 

  Avec plus de 20 000 pièces existantes, les vases attiques à figures noires constituent la collection de vases la plus grande et en même temps la plus importante, juste derrière les vases attiques à figures rouges. Les potiers du grenier bénéficiaient de l'excellente argile riche en fer trouvée dans l'Attique. Les vases Attic à figures noires de haute qualité ont un revêtement uniforme, brillant et noir et la base en terre cuite aux couleurs intenses a été méticuleusement lissée. La peau des femmes est toujours indiquée par une couleur blanche opaque, qui est également fréquemment utilisée pour des détails tels que des chevaux individuels, des vêtements ou des ornements. Les artistes attiques les plus remarquables ont élevé la peinture sur vase au rang d'art graphique, mais un grand nombre de produits de qualité moyenne et de grande consommation ont également été produits.

  L'importance exceptionnelle des poteries attiques vient de leur répertoire presque infini de scènes couvrant un large éventail de thèmes. Ceux-ci fournissent de riches témoignages notamment sur la mythologie, mais aussi sur la vie quotidienne. En revanche, il n’existe pratiquement aucune image faisant référence à des événements contemporains. De telles références ne sont qu’occasionnellement évidentes sous forme d’annotations, par exemple lorsque des inscriptions kalos sont peintes sur un vase. Les vases étaient produits d'une part pour le marché intérieur et étaient importants pour celebrations ou en relation avec des actes rituels. D’un autre côté, ils constituaient également un produit d’exportation important vendu dans toute la zone méditerranéenne. C'est pour cette raison que la plupart des vases survivants proviennent de nécropoles étrusques.

  La technique des figures noires a été appliquée pour la première fois au milieu du VIIe siècle avant JC, à l'époque de la peinture sur vase proto-attique. Influencés par la poterie de Corinthe, qui offrait à l'époque la plus haute qualité, les peintres de vases attiques se sont tournés vers la nouvelle technologie entre environ 635 avant JC et la fin du siècle. Au début, ils suivirent de près les méthodes et les sujets des modèles corinthiens. Le Peintre de Berlin A 34 au début de cette période est le premier peintre individuel identifié. Le premier artiste au style unique fut le peintre de Nessos. Avec son amphore Nessos, il crée la première pièce remarquable du style attique à figures noires.

  En même temps, il fut l'un des premiers maîtres du style frise animalière attique. L'un de ses vases fut également le premier vase attique connu exporté en Étrurie. Il est également responsable des premières représentations de harpies et de sirènes dans l'art attique. Contrairement aux peintres corinthiens, il utilisait des lignes incisées doubles, voire triples, pour mieux représenter l'anatomie animale. Une ligne d'épaule à double rainure est devenue une caractéristique des vases attiques. Les possibilités inhérentes aux grandes pièces de poterie telles que les amphores ventrales en tant que supports d'images ont également été reconnues très tôt. D'autres peintres importants de cette époque pionnière étaient le peintre du Pirée, le peintre de Bellérophon et le peintre du Lion.

  Le style à figures noires s'est généralisé à Athènes vers 600 avant JC. L'un des premiers développements athéniens était l'amphore à tête de cheval, dont le nom vient de la représentation de têtes de cheval dans une fenêtre d'image. windows à images furent fréquemment utilisées au cours de la période suivante et furent ensuite adoptées même à Corinthe. Le Peintre Cerameicus et le Peintre Gorgone sont associés aux amphores à tête de cheval. L’influence corinthienne fut non seulement maintenue, mais même intensifiée. La frise animalière était reconnue comme généralement obligatoire et habituellement utilisée. Cela avait des raisons économiques et stylistiques, car Athènes était en concurrence avec Corinthe pour les marchés. Les vases de grenier étaient vendus dans la région de la mer Noire, en Libye, en Syrie, en Basse-Italie et en Espagne, ainsi qu'en Grèce.

  En plus de suivre les modèles corinthiens, les vases athéniens présentaient également des innovations locales. Ainsi, au début du VIe siècle avant JC, est apparu un « type Deianaira » de lécythe, de forme ovale et allongée. Le peintre le plus important de cette époque fut le Peintre de la Gorgone (600-580 av. J.-C.). C'était un artiste très productif qui utilisait rarement des thèmes mythologiques ou des figures humaines et, lorsqu'il le faisait, il les accompagnait toujours d'animaux ou de frises d'animaux. Certains de ses autres vases ne comportaient que des représentations d'animaux, comme c'était le cas de nombreux vases corinthiens.

  Outre le Peintre de la Gorgone, il convient de mentionner les peintres du groupe Komast (585-570 av. J.-C.). Ce groupe décorait des types de vases nouveaux à Athènes, à savoir les lekanes, les kotyles et les kothons. L'innovation la plus importante a toutefois été l'introduction de la coupelle komast, qui, avec les « coupelles prekomast » de la classe Oxford Palmette, constitue le début du développement des coupelles Attic. Les peintres importants de ce groupe étaient l'aîné KX Painter et le KY Painter, un peu moins talentueux, qui ont introduit le cratère à colonnes à Athènes. Ces récipients étaient conçus pour être utilisés lors de banquets et étaient donc décorés de scènes de komos pertinentes, telles que les scènes de komos des artistes de komast.

  D'autres peintres importants de la première génération étaient le peintre de la Panthère, le peintre d'Anagyrus, le peintre des Lekanis de Dresde et le peintre de Polos. Le dernier représentant significatif de la première génération de peintres fut Sophilos (580-570 av. J.-C.), qui est le premier peintre de vases attiques connu par son nom. Au total, il signe quatre vases survivants, trois en tant que peintre et un en tant que potier, révélant qu'à cette date les potiers étaient également des peintres de vases à figures noires. Une séparation fondamentale des deux métiers ne semble s'être produite qu'au cours du développement du style à figures rouges, même si une spécialisation préalable ne peut être exclue.

  Sophilos fait un usage libéral des annotations. Il semble qu'il se soit spécialisé dans les grands vases, puisque les dinosaures et les amphores sont particulièrement connus pour être son œuvre. Bien plus fréquemment que ses prédécesseurs, Sophilos montre des scènes mythologiques comme les jeux funéraires de Patrocle. Le déclin de la frise animalière commence avec lui, et les plantes et autres ornements sont également de moindre qualité car considérés comme moins importants et reçoivent donc peu d'attention de la part du peintre. Mais à d’autres égards, Sophilos montre qu’il était un artiste ambitieux. Sur deux dinosaures, le mariage de Pélée et Thétis est représenté.

  Ces vases ont été réalisés à peu près à la même époque que le vase François, qui représente ce sujet à la perfection. Cependant, Sophilos se passe de décorations sous forme de frises d'animaux sur l'un de ses deux dinosaures et il ne combine pas différents mythes dans des scènes réparties sur différentes surfaces de vase. Il s'agit du premier grand vase grec montrant un seul mythe en plusieurs segments interdépendants. Une particularité des dinosaures est l'application par le peintre de la peinture blanche opaque désignant les femmes directement sur le fond d'argile, et non comme d'habitude sur le noir brillant.

  Les détails intérieurs et les contours de la figurine sont peints dans un rouge terne. Cette technique particulière est rare, trouvée uniquement dans les vases peints dans l'atelier de Sophilos et sur les panneaux de bois peints dans le style corinthien au 6ème siècle avant JC. Sophilos a également peint l'un des rares calices (une variété de gobelet) et a créé la première série survivante de tablettes votives. Lui-même ou l'un de ses successeurs a également décoré le premier vase de mariage (appelé lebes gamikos) découvert.

  À partir du deuxième tiers du VIe siècle avant J.-C., les artistes attiques s'intéressent aux scènes mythologiques et autres représentations de personnages. Les frises d'animaux sont devenues moins importantes. Seuls quelques peintres s'en occupaient, et ils étaient généralement déplacés du centre d'attention vers des zones moins importantes des vases. Ce nouveau style est notamment représenté par le vase François, signé à la fois du potier Ergotimos et du peintre Kleitias (570-560 av. J.-C.). Ce cratère est considéré comme le vase peint grec le plus célèbre. Il s'agit du premier cratère à volute connu en argile.

  Les événements mythologiques sont représentés dans plusieurs frises, des frises d'animaux étant présentées dans des emplacements secondaires. Plusieurs détails iconographiques et techniques apparaissent pour la première fois sur ce vase. Beaucoup sont uniques, comme la représentation d'un mât abaissé d'un voilier ; d'autres sont devenus partie intégrante du répertoire standard, comme les personnes assises avec une jambe derrière l'autre, au lieu du positionnement parallèle traditionnel des jambes. Quatre autres vases plus petits étaient signés par Ergotimos et Kleitias, et des vases et fragments supplémentaires leur sont attribués. Ils témoignent d'autres innovations de Kleitias, comme la première représentation de la naissance d'Athéna ou de la Danse en Crète.

   

  Nearchos (565-555 avant JC) a signé comme potier et peintre. Il privilégiait les grandes figures et fut le premier à créer des images montrant l'attelage d'un char. Une autre innovation consistait à placer un motif de langue sur fond blanc sous le rebord du vase. D'autres peintres talentueux étaient le Peintre d'Akropolis 606 et le Peintre Ptoon, dont l'œuvre la plus connue est Hearst Hydria. Le groupe Burgon est également important, car il est à l'origine de la première amphore panathénaïque entièrement conservée.

  La coupe Siana a évolué à partir de la coupe komast vers 575 avant JC. Alors que le groupe Komast produisait des formes autres que les tasses, certains artisans se sont spécialisés dans la production de tasses après l'époque du premier exemple important des tasses Siana, le Peintre C (575-555 avant JC). Les coupes ont un bord plus haut qu'auparavant et une base en forme de trompette sur une tige creuse relativement courte. Pour la première fois dans la peinture sur vase attique, l'intérieur de la coupe était décoré d'images encadrées (tondo). Il y avait deux types de décoration. Dans le style « à deux étages », le corps de la tasse et le rebord présentent chacun des décorations distinctes. Dans le style « superposition », l'image s'étend sur le corps et les lèvres.

  Après le deuxième quart du VIe siècle avant JC, on s'intéressa davantage à la décoration des coupes, notamment avec des images d'athlètes. Un autre peintre de coupes siana important était le peintre de Heidelberg. Lui aussi peignait presque exclusivement des tasses de Siana. Son sujet favori était le héros Héraclès. Le Peintre d'Heidelberg est le premier peintre attique à le montrer avec le sanglier d'Érymanthe, avec Nérée, avec Busiris et dans le jardin des Hespérides. Le Peintre Cassandre, qui décora des coupes de taille moyenne avec des bases et des lèvres hautes, marque la fin du développement de la coupe Siana.

  Il est avant tout important en tant que premier peintre connu à appartenir aux soi-disant Petits Maîtres, un grand groupe de peintres qui produisaient la même gamme de récipients, connus sous le nom de Coupes des Petits Maîtres. Les tasses dites Merrythought ont été produites en même temps que les tasses Siana. Leurs poignées ont la forme d'une fourchette à deux dents et se terminent par ce qui ressemble à un bouton. Ces tasses n'ont pas de bord délimité. Ils ont également un bol plus profond avec un pied plus haut et plus étroit.

  Le dernier peintre marquant de la période archaïque préclassique fut Lydos (560-540 av. J.-C.), qui signa deux de ses œuvres survivantes avec ho Lydos (le Lydien). Lui ou ses ancêtres immédiats étaient probablement originaires d'Asie Mineure mais il a sans doute été formé à Athènes. Plus de 130 vases survivants lui sont désormais attribués. L'une de ses peintures sur une hydrie est la première représentation attique connue du combat entre Héraclès et Géryon. Lydos fut le premier à montrer Héraclès avec la peau d'un lion, qui devint par la suite courante dans l'art attique. Il a également représenté la bataille entre les dieux et les géants sur un dinosaure trouvé sur l'acropole d'Athènes, ainsi qu'Héraclès avec Cycnus.

  Lydos décorait d'autres types de récipients en plus des hydres et des dinosaures, tels que des assiettes, des coupes (coupes de Sienne superposées), des cratères à colonnes et des psykters, ainsi que des tablettes votives. Il reste difficile d'identifier les produits de Lydos en tant que tels car ils ne diffèrent souvent que légèrement de ceux de son environnement immédiat. Le style est assez homogène, mais les pièces varient considérablement en qualité. Les dessins ne sont pas toujours soigneusement réalisés.

  Lydos était probablement contremaître dans un atelier très productif du quartier de poterie d'Athènes. Il fut probablement le dernier peintre de vases attiques à mettre des frises d'animaux sur de grands vases. Toujours dans la tradition corinthienne, ses dessins de figures constituent un maillon de la chaîne des peintres de vases qui s'étend de Kleitias en passant par Lydos et les Peintres d'Amasis jusqu'à Exekias. Avec eux, il participa à l'évolution de cet art en Attique et exerça une influence durable.

  Une forme particulière de vases attiques de cette période était l'amphore tyrrhénienne (550-530 avant JC). Il s'agissait d'amphores à col en forme d'œuf avec des décorations atypiques du canon de conception attique habituel de l'époque. Presque tous les quelque 200 vases survivants ont été trouvés en Étrurie. Le corps de l'amphore est généralement subdivisé en plusieurs frises parallèles. La frise supérieure ou d'épaule représente généralement une scène populaire de la mythologie. Il existe parfois des sujets moins courants, comme une scène unique du sacrifice de Polyxène. Les premières images érotiques connues sur les vases attiques se trouvent également à cet emplacement. Les peintres apposent fréquemment sur les amphores tyrrhéniennes des annotations permettant d'identifier les personnages représentés.

  Les deux ou trois autres frises étaient décorées d'animaux ; parfois l'une d'elles était remplacée par une frise végétale. Le cou est habituellement peint d'une croix à palmette de lotus ou de festons. Les amphores sont assez colorées et rappellent les produits corinthiens. Dans ce cas, une forme corinthienne a évidemment été délibérément copiée pour produire un type de vase particulier destiné au marché étrusque, où ce style était populaire. Il est possible que cette forme n'ait pas été fabriquée à Athènes mais ailleurs en Attique, voire en dehors de l'Attique. Les peintres importants étaient le peintre Castellani et le peintre Goltyr.

  La période comprise entre 560 et le début de la peinture sur poterie à figures rouges vers 530/520 avant JC est considérée comme le summum absolu de la peinture sur vase à figures noires. À cette époque, les artistes les meilleurs et les plus connus exploitèrent toutes les possibilités offertes par ce style. Le premier peintre important de cette époque fut le Peintre d'Amasis (560-525 av. J.-C.), du nom du célèbre potier Amasis, avec lequel il travailla principalement. De nombreux chercheurs les considèrent comme une seule et même personne. Il a commencé sa carrière de peintre à peu près en même temps que Lydos, mais a été actif pendant une période presque deux fois plus longue.

  Alors que Lydos montrait davantage les capacités d'un artisan qualifié, le peintre d'Amasis était un artiste accompli. Ses images sont intelligentes, charmantes et sophistiquées et son développement artistique personnel se rapproche du reflet de l'évolution globale de la peinture sur vase attique à figures noires à cette époque. Ses premiers travaux montrent son affinité avec les peintres de coupes Siana. Les progrès sont plus facilement reconnaissables dans la façon dont il dessine les plis des vêtements. Ses premières figures féminines portent des vêtements sans plis. Plus tard, il peint des plis plats et anguleux, et il parvient finalement à donner l'impression de vêtements souples et fluides.

  Les dessins de vêtements étaient l'une de ses principales caractéristiques ; il aimait représenter des vêtements à motifs et à franges. Les groupes de personnages que montre le peintre d'Amasis ont été soigneusement dessinés et composés symétriquement. Au départ, ils étaient plutôt statiques, mais les figures ultérieures donnent une impression de mouvement. Si le peintre d'Amasis a souvent représenté des événements mythologiques – il est connu par exemple pour ses satyres à tête de cochon –, il l'est davantage pour ses scènes de la vie quotidienne.

  Il fut le premier peintre à les représenter de manière significative. Son travail a influencé de manière décisive le travail des peintres à figures rouges plus tard. Il a peut-être anticipé certaines de leurs innovations ou en a été influencé vers la fin de sa carrière de peintre : sur beaucoup de ses vases, les femmes ne sont représentées que sous forme de contours, sans remplissage noir, et elles ne sont plus identifiables comme femmes par l'application de peintures opaques. blanc comme couleur de peau.

   

  Le groupe E (550-525 avant JC) était une vaste collection autonome d'artisans et est considéré comme le groupe anonyme le plus important produisant de la poterie attique à figures noires. Il rompt rigoureusement avec la tradition stylistique de Lydos tant en termes d'image que de récipient. Les amphores à col ovoïde ont été complètement abandonnées, les cratères à colonnes presque entièrement abandonnés. Au lieu de cela, ce groupe a introduit les amphores ventrales de type A, qui sont ensuite devenues une forme d'index. Les amphores à col étaient généralement produites uniquement dans des versions personnalisées. Le groupe n'avait aucun intérêt pour les petits formats. De nombreuses scènes, notamment celles issues des mythes, ont été reproduites à maintes reprises.

  Ainsi plusieurs amphores de ce groupe montrent Héraclès avec Géryon ou le Lion de Némée, et de plus en plus Thésée et le Minotaure, ainsi que la naissance d'Athéna. L'importance particulière du groupe réside cependant dans l'influence qu'il a exercée sur Exekias. La plupart des artistes attiques de l'époque ont copié les styles du groupe E et d'Exekias. En revanche, le travail de Lydos et du peintre d'Amasis n'a pas été aussi fréquemment imité. Beazley décrit ainsi l'importance du groupe pour Exekias : « Le groupe E est le terrain fertile d'où germe l'art d'Exekias, la tradition qu'il reprend et dépasse sur son chemin d'un excellent artisan à un véritable artiste ».

  Exekias (545-520 av. J.-C.) est généralement considéré comme le maître absolu du style à figures noires, qui atteint avec lui son apogée. Son importance n'est pas seulement due à sa peinture magistrale sur vase, mais aussi à sa poterie innovante et de haute qualité. Il a signé 12 de ses récipients survivants en tant que potier, deux en tant que peintre et potier. Exekias a probablement joué un rôle important dans le développement des coupes du Petit Maître et de l'amphore ventrale de type A mentionnées ci-dessus, et il a peut-être inventé le cratère à calice, au moins la pièce existante la plus ancienne provient de son atelier. Contrairement à de nombreux autres artisans comparables, en tant que peintre, il attachait une grande importance à l'élaboration minutieuse des ornements.

  Les détails de ses images – crinières de chevaux, armes, vêtements – sont également remarquablement bien exécutés. Ses scènes sont généralement monumentales et les personnages dégagent une dignité jusqu'alors inconnue en peinture. Dans de nombreux cas, il rompit avec les conventions attiques. Pour son récipient le plus célèbre, la coupe Dionysos, il fut le premier à utiliser un revêtement intérieur rouge corail au lieu de la couleur rouge habituelle. Cette innovation, ainsi que le placement de deux paires d'yeux à l'extérieur, relient Exekias aux œilletons classiques. L'utilisation de tout l'intérieur de la coupe pour sa photo de Dionysos, allongé sur un bateau d'où poussent des vignes, est probablement encore plus innovante.

  A cette époque, il était en effet d'usage de décorer la surface intérieure simplement d'une face de gorgone. La coupe est probablement l'une des expériences entreprises dans le district de la poterie pour innover avant l'introduction du style à figures rouges. Il fut le premier à peindre un navire naviguant le long du bord d'un dinosaure. Il n'adhère que rarement aux modèles traditionnels de représentation de sujets mythologiques habituels. Sa description du suicide d’Ajax est également significative. Exekias ne montre pas l'acte lui-même, comme c'était la tradition, mais plutôt les préparatifs de l'Ajax.

  Aussi célèbre que la coupe de Dionysos est une amphore avec sa visualisation d'Ajax et d'Achille engagés dans un jeu de société. Non seulement la représentation est détaillée, mais Exekias transmet même le résultat du jeu. Presque à la manière d'une bulle, il demande aux deux joueurs d'annoncer les nombres qu'ils ont lancés avec leurs dés : Ajax un trois et Achille un quatre. Il s’agit de la plus ancienne représentation connue de cette scène, dont il n’existe aucune mention dans la littérature classique. Pas moins de 180 autres vases survivants, datant de la version Exekias jusqu'à environ 480 avant JC, montrent cette scène.

  John Boardman souligne le statut exceptionnel d'Exekias qui le distingue des peintres de vases traditionnels : « Les personnages représentés par l'artiste précédent sont au mieux des poupées élégantes. Amasis (le peintre d'Amasis) était capable de visualiser les gens comme des personnes. Mais Exekias pouvait les considérer comme des dieux et nous donner ainsi un avant-goût de l'art classique". Reconnaissant que les peintres de vases de la Grèce antique étaient considérés comme des artisans plutôt que des artistes, Exekias est néanmoins considéré par les historiens de l'art d'aujourd'hui comme un artiste accompli dont le travail peut être comparé aux peintures « majeures » (murales et peintures sur panneaux) de cette période.

  Ses contemporains l’ont apparemment également reconnu. La collection berlinoise d'antiquités classiques de l'Altes Museum contient les restes d'une série de ses tablettes votives. La série complète comptait probablement 16 panneaux individuels. Passer une telle commande à un potier et peintre de vases est probablement unique dans l'Antiquité et témoigne de la grande réputation de cet artiste. Les tablettes montrent le deuil d'une femme athénienne décédée ainsi que sa position couchée et transportée vers une tombe. Exekias exprime à la fois la douleur et la dignité des personnages.

  Une particularité, par exemple, est que le chef du cortège funèbre tourne son visage pour regarder directement le spectateur, pour ainsi dire. La représentation des chevaux est également unique ; ils ont des tempéraments individuels et ne sont pas réduits à leur fonction d'animaux nobles, comme c'est par ailleurs l'usage sur les vases. Il y avait une spécialisation accrue parmi les producteurs de récipients et de tasses au cours de la période classique mature. Les tasses Komast et Siana à grand volume ont évolué via les tasses Gordion pour devenir des variantes gracieuses appelées tasses Petit maître en raison de leur peinture délicate. Les potiers et peintres de cette forme sont donc appelés Petits Maîtres.

  Ils peignaient principalement des coupes à bande et des coupes à lèvres. Les coupelles à lèvres tirent leur nom de leur lèvre relativement prononcée et délimitée. L'extérieur de la coupe conservait une grande partie du fond d'argile et ne portait généralement que quelques petites images, parfois seulement des inscriptions, ou dans certains cas, la coupe entière n'était que peu décorée. Dans la zone des poignées également, il y a rarement plus que des palmettes ou des inscriptions à proximité des points de fixation. Ces inscriptions peuvent être la signature du potier, le toast d'un buveur ou simplement une séquence de lettres dénuée de sens. Mais les intérieurs des gobelets à lèvres sont souvent également décorés d’images.

  Les bonnets à bande ont une transition plus douce entre le corps et le bord. Le décor se présente sous la forme d'une bande entourant l'extérieur de la coupe et peut souvent être une frise très élaborée. Dans le cas de cette forme, le bord est recouvert d'une engobe noire brillante. L'intérieur conserve la couleur de l'argile, à l'exception d'un point noir peint au centre. Les variantes incluent les bonnets Droop et les bonnets Kassel. Les bonnets tombants ont des lèvres noires concaves et un pied haut. Comme pour les tasses à bande classiques, le bord est laissé noir, mais la zone en dessous est décorée d'ornements comme des feuilles, des bourgeons, des palmettes, des points, des nimbus ou des animaux sur l'extérieur de la tasse.

  Les tasses Kassel sont de petite forme, plus trapues que les autres tasses Little Masters, et tout l'extérieur est décoré. Comme dans le cas des tasses Droop, ce sont principalement les ornements qui sont peints. Les petits maîtres célèbres sont les potiers Phrynos, Sokles, Tleson et Ergoteles, ces deux derniers étant les fils du potier Nearchos. Hermogenes a inventé une variété Little Master de skyphos maintenant connue sous le nom de skyphos Hermogenes. Il convient également de mentionner ici le Peintre de Phrynos, le Peintre de Taleides, le Peintre de Xénokles et le Groupe de Rhodes 12264. Jusqu'à la fin du siècle, la qualité de la production de vases à figures noires pouvait être maintenue pour l'essentiel.

  Mais après le développement du style à figures rouges vers 530 avant JC, probablement par le peintre Andokide, de plus en plus de peintres se sont tournés vers le style à figures rouges, qui offrait beaucoup plus de possibilités pour ajouter des détails dans les contours des figures. Le nouveau style a également permis de nombreuses expériences plus prometteuses avec des raccourcis, des vues en perspective et de nouvelles conceptions d'arrangements. Le contenu des scènes, comme toujours, reflétait les tendances du goût et l'air du temps, mais le style à figures rouges créait de meilleures conditions préalables à la présentation de scènes plus élaborées en exploitant les nouvelles possibilités d'arrangement.

 

  Mais en attendant, quelques artisans novateurs pourraient encore donner une nouvelle impulsion à la production de vases à figures noires. Le potier le plus imaginatif de l’époque, également homme d’affaires talentueux, était Nikosthène. Plus de 120 vases portent sa signature, indiquant qu'ils ont été réalisés par lui ou dans son atelier. Il semble s'être particulièrement spécialisé dans la production de vases destinés à l'exportation vers l'Étrurie. Dans son atelier, les habituelles amphores à col, Little Masters, Droop et œilleton étaient produites, mais aussi un type d'amphore rappelant la poterie étrusque bucchero, nommée amphore Nikosthénique en l'honneur de son créateur.

  Ces pièces ont été trouvées notamment à Caere, les autres types de vases généralement à Cerveteri et Vulci. Les nombreuses inventions de son atelier ne se limitent pas aux formes. Dans l'atelier de Nikosthène a été développé ce que l'on appelle la technique des Six, dans laquelle les personnages étaient peints en brun rougeâtre ou en blanc sur une engobe noire brillante. Il n'est pas clair si Nikosthène a également peint des vases, auquel cas il est généralement présumé être identique au peintre N. Le peintre BMN et le peintre Nikosthène à figures rouges portent également le nom de Nikosthène. Dans son atelier, il employa de nombreux peintres de vases célèbres, dont les vieux Lydos, Oltos et Epiktetos. La tradition de l'atelier a été poursuivie par le successeur de Nikosthène, Pamphaios.

  Deux peintres de vases à figures noires sont considérés comme maniéristes (540-520 av. J.-C.). Le peintre Elbows Out a décoré essentiellement les tasses des Petits Maîtres. Les coudes allongés de ses personnages sont remarquables, caractéristique qui explique son nom pragmatique. Il ne représente que rarement des scènes mythologiques ; les scènes érotiques sont beaucoup plus fréquentes. Il a également décoré un vase rare connu sous le nom de lydion. Le plus important des deux peintres était L'Affecteur, dont le nom vient de l'impression exagérément artificielle produite par ses personnages.

  Ces personnages à petite tête ne semblent pas tant agir que poser. Ses premiers travaux montrent des scènes de la vie quotidienne ; plus tard, il se tourna vers des scènes décoratives dans lesquelles les figures et les attributs sont reconnaissables, mais à peine les actions. Si ses personnages sont habillés, ils semblent rembourrés ; s'ils sont nus, ils sont très anguleux. L'Affecteur était à la fois potier et peintre ; plus de 130 de ses vases ont survécu. Le peintre d'Antimène (530-500 av. J.-C.) aimait décorer les hydries avec des frises d'animaux dans la prédelle, et surtout des amphores à col.

  Deux hydries qui lui sont attribuées sont décorées sur la région du cou selon une technique à fond blanc. Il fut le premier à peindre des amphores avec un visage de Dionysos en forme de masque. Le plus célèbre de ses plus de 200 vases survivants montre une récolte d'olives au dos. Ses dessins sont rarement vraiment précis, mais ils ne sont pas non plus excessivement négligents. Stylistiquement, le peintre Psiax est étroitement lié au peintre d'Antimène, bien que le premier ait également utilisé la technique des figures rouges. En tant que professeur des peintres Euphronius et Phintias, Psiax a eu une grande influence sur le développement précoce du style à figures rouges. Il montre fréquemment des scènes de chevaux, de chars et d'archers.

  Le dernier groupe important de peintres était le groupe Leagros (520-500 avant JC), nommé d'après l'inscription kalos qu'ils utilisaient fréquemment, Leagros. Les amphores et les hydries, ces dernières souvent avec des palmettes dans la prédelle, sont les récipients les plus fréquemment peints. Le champ d'image est généralement rempli au maximum, mais la qualité des images reste toujours très élevée. La plupart des plus de 200 vases de ce groupe étaient décorés de scènes de la guerre de Troie et de la vie de peintres d'Héraclès comme le peintre spirituel d'Acheloos, le peintre conventionnel de Chiusi et le peintre de l'aube avec ses détails fidèles appartiennent au groupe Leagros.

  D'autres peintres de vases bien connus de l'époque sont le Peintre du Deuil du Vatican, le Peintre Princeton , le Peintre de Munich 1410 et le Swing Painter (540-520 av. J.-C.), à qui de nombreux vases sont attribués. Il n'est pas considéré comme un très bon artiste, mais ses personnages sont involontairement humoristiques en raison de leurs grandes têtes, de leurs nez étranges et de leurs poings souvent serrés. L'œuvre du peintre de Rycroft s'apparente à la peinture sur vase à figures rouges et aux nouvelles formes d'expression. Il aimait représenter des scènes dionysiaques, des chevaux et des chars, ainsi que les aventures d'Héraclès. Il utilise souvent des dessins d'encombrement.

  Les quelque 50 récipients généralement de grande taille qui lui sont attribués sont élégamment peints. La classe CM 218 décorait principalement des variantes des amphores Nikosthéniques. La classe Hypobibazon a travaillé avec un nouveau type d'amphore ventrale aux anses et pieds arrondis, dont la décoration se caractérise par un méandre clé au-dessus des champs d'images. Une variante plus petite de l'amphore à col a été décorée par le Three Line Group. Le groupe Perizoma a adopté vers 520 avant JC la forme nouvellement introduite du stamnos. Vers la fin du siècle, des productions de haute qualité étaient encore réalisées par le peintre Euphiletos, le peintre madrilène et l'imaginatif peintre Priam.

  En particulier, les peintres de coupes comme Oltos, Epiktetos, Pheidippos et Skythes peignaient des vases dans des styles à figures rouges et noires (poterie bilingue), principalement des œilletons. L'intérieur était généralement de style à figures noires, l'extérieur de style à figures rouges. Il existe plusieurs caisses d'amphores dont les faces recto et verso sont décorées dans les deux styles différents.

  Les plus célèbres sont les œuvres du peintre Andokide, dont les scènes à figures noires sont attribuées au peintre Lysippide. Les chercheurs sont divisés sur la question de savoir si ces peintres sont la même personne. Seuls quelques peintres, par exemple le Peintre Nikoxenos et le Peintre Athéna, ont produit de grandes quantités de vases en utilisant les deux techniques. Bien que la poterie bilingue ait été très populaire pendant une courte période, ce style est déjà passé de mode vers la fin du siècle.

  Du début du Ve siècle avant JC jusqu'en 480 au plus tard, tous les peintres réputés utilisaient le style à figures rouges. Mais les vases à figures noires ont continué à être produits pendant une cinquantaine d'années supplémentaires, leur qualité diminuant progressivement. Les derniers peintres produisant des images de qualité acceptable sur de grands vases furent le Peintre d'Eucharides et le Peintre de Kléophrades. Seuls les ateliers qui produisaient des formes plus petites comme les olpes, les oenoches, les skyphos, les amphores à petit col et certains lécythes utilisaient de plus en plus le style ancien.

  Le peintre Phanyllis a utilisé la technique des Six, entre autres méthodes, et le peintre d'Édimbourg et le peintre Gela ont décoré le premier lécythe cylindrique. Les premiers produisaient principalement des scènes informelles, claires et simples, utilisant un style à figures noires sur fond blanc. Le fond blanc des vases était assez épais et n'était plus peint directement sur la base d'argile, technique qui devint la norme pour tous les vases à fond blanc. Le Peintre Sappho s'est spécialisé dans les lécythes funéraires.

  L'atelier du Peintre Haimon a été particulièrement productif ; plus de 600 de leurs vases ont survécu. Le peintre d'Athéna (qui est peut-être identique au peintre de Bowdoin à figures rouges) et le peintre de Persée ont continué à décorer de grands lécythes standards. Les scènes du Peintre d'Athéna dégagent encore une partie de la dignité inhérente au travail du Groupe Leagros. Le Peintre Marathon est principalement connu pour le lécythe funéraire trouvé dans le tumulus des Athéniens morts lors de la bataille de Marathon en 490 avant JC.

  Le dernier peintre de Lécythe important, le Peintre de Beldam, a travaillé d'environ 470 avant JC jusqu'à 450 avant JC. À l'exception des amphores du prix Panathénaïque, le style à figures noires a pris fin en Attique à cette époque. Parmi les vases attiques à figures noires, les amphores du prix panathénaïque jouent un rôle particulier. Après 566 avant JC, lorsque les celebrations panathénaïques furent introduites ou réorganisées, elles constituaient le prix des vainqueurs des compétitions sportives et étaient remplies d'huile d'olive, l'un des principaux produits d'exportation de la ville. Sur leur façade, ils portaient régulièrement l'image de la déesse Athéna debout entre deux piliers sur lesquels étaient perchés des coqs ; au dos, il y avait une scène sports .

 

  La forme était toujours la même et n'a été que légèrement modifiée au cours de la longue période de production. L'amphore ventrale était, comme son nom l'indique, à l'origine particulièrement bulbeuse, avec un col court et un pied long et étroit. Vers 530 avant JC, le cou devient plus court et le corps un peu plus étroit. Vers 400 avant JC, les épaules du vase étaient considérablement réduites en largeur et la courbe du corps du vase semblait resserrée. Après 366 avant JC, les vases redevinrent plus élégants et encore plus étroits.

  Ces vases étaient principalement produits dans les principaux ateliers du district de Kerameikos. Cela semble avoir été un honneur ou particulièrement lucratif de recevoir une commande pour la production des vases. Cela explique également l'existence de nombreuses amphores primées par d'excellents peintres de vases. Outre les peintres supérieurs à figures noires comme le peintre Euphiletos, Exekias, Hypereides et le groupe Leagros, de nombreux maîtres artisans à figures rouges sont connus comme créateurs d'amphores primées. Il s'agit notamment du peintre d'Eucharides, du peintre de Kléophrades, du peintre de Berlin, du peintre d'Achilleus et de Sophilos, qui était le seul à avoir signé l'un des vases survivants.

  Le premier vase connu a été produit par le groupe Burgon et est connu sous le nom de vase Burgon. Étant donné que le nom du fonctionnaire au pouvoir (Archon) apparaît parfois sur le vase après le 4ème siècle avant JC, certains vases peuvent être datés avec précision. Les Panathénées étant des fêtes religieuses, le style et le type de décoration ne changèrent ni pendant la période des figures rouges ni après que les vases figurés ne furent plus réellement commercialisés à Athènes. Les amphores primées ont été produites au IIe siècle avant JC et environ 1 000 d’entre elles ont survécu. Puisque, à certaines dates, le nombre d'amphores décernées à un gagnant est connu, il est possible de déduire qu'environ un pour cent de la production totale de vases athéniens a survécu. D'autres projections conduisent à la conclusion qu'au total, environ sept millions de vases avec des personnages peints ont été produits à Athènes. En plus des amphores primées, des formes imitatives connues sous le nom d'amphores primées pseudo-panathénaïques ont également été fabriquées.

  Dès le 7ème siècle avant JC, la poterie peinte était produite à Sparte pour la consommation locale ainsi que pour l'exportation. Les premières pièces de qualité furent produites vers 580 avant JC. L'apogée de la poterie à figures noires fut atteinte entre 575 et 525 environ avant JC. Outre Sparte, les principaux sites de découverte sont les îles de Rhodes et de Samos, ainsi que Tarente, les nécropoles étrusques et Cyrène, qui fut d'abord considérée comme la source originale de la poterie. La qualité des navires est très élevée. L'argile a été bien mise en pâte et a reçu un revêtement de couleur crème.

  Des amphores, des hydriai, des cratères à colonnes (appelés cratères lakonikos dans l'Antiquité), des cratères à volutes, des cratères chalcidiques, des lèbes, des aryballes et la coupe spartiate, la lakaina, ont été peints. Mais la forme d’index et la trouvaille la plus fréquente est la tasse. En Laconie, le bol profond était généralement posé sur un pied haut ; les coupes sur pieds bas sont rares. L'extérieur est généralement décoré d'ornements, généralement des festons de grenades, et la scène intérieure est assez grande et contient des personnages. En Laconie, plus tôt que dans le reste de la Grèce, le tondo devint le cadre principal des scènes de coupe.

  L'image principale a également été très tôt divisée en deux segments, une scène principale et une scène plus petite et inférieure. Souvent, le récipient n'était recouvert que d'une engobe brillante ou décoré de quelques ornements seulement. Les inscriptions sont rares mais peuvent apparaître sous forme d'annotations de nom. Les signatures sont inconnues aussi bien chez les potiers que chez les peintres. Il est probable que les artisans laconiens étaient des peintres potiers périœques. Les traits caractéristiques de la poterie correspondent souvent à la mode des peintres connus. Il est également possible qu'il s'agisse de potiers migrants venus de l'est de la Grèce, ce qui expliquerait la forte influence grecque orientale notamment sur le peintre Boreads.

  Entre-temps, on peut distinguer au moins huit peintres de vases. Cinq peintres, le peintre Arkesilas (565-555), le peintre Boreads (575-565), le peintre Hunt, le peintre Naucratis (575-550) et le peintre Rider (550-530) sont considérés comme les représentants les plus importants. du style, tandis que d'autres peintres sont considérés comme des artisans de moindre capacité. Les images sont généralement anguleuses et rigides et contiennent des frises d'animaux, des scènes de la vie quotidienne, notamment des colloques, et de nombreux sujets mythologiques.

Parmi ces derniers, Poséidon et Zeus sont particulièrement représentés, mais aussi Héraclès et ses douze travaux ainsi que les cycles de légendes thébains et troyens. Surtout sur les premiers vases, une grimace de gorgone est placée dans une coupe tondo. Une représentation de la nymphe Cyrène et un tondo avec un cavalier avec une vrille à volutes poussant sur sa tête (vase nommé du Peintre Cavalier) sont exceptionnels. Une coupe avec une image d'Arcésilas II est également importante. La coupe Arcesilas a fourni le nom pragmatique du peintre Arcesilas.

  C'est l'une des rares représentations sur la poterie grecque d'événements ou de personnages actuels. Les sujets suggèrent une influence attique. Un violet rougeâtre était la couleur opaque principale. À l'heure actuelle, plus de 360 ​​vases laconiens sont connus, dont près d'un tiers, soit 116 pièces, attribués au peintre de Naucratis. Le déclin vers 550 avant JC de la peinture corinthienne sur vases à figures noires, qui eut une influence importante sur la peinture laconienne, entraîna une réduction massive de la production laconienne de vases à figures noires, qui prit fin vers 500 avant JC. distribué, de Marseille à la Grèce ionienne. À Samos, la poterie laconienne est plus courante que la poterie corinthienne en raison de l'alliance politique étroite avec Sparte.

  Des vases à figures noires ont été produits en Béotie du 6ème au 4ème siècle avant JC. Jusqu'au début du 6ème siècle avant JC, de nombreux peintres béotiens utilisaient la technique du contour orientalisant. Ensuite, ils se sont orientés de près vers la production attique. Les distinctions et attributions à l'une des deux régions sont parfois difficiles et les vases peuvent également être confondus avec la poterie corinthienne. Les vases attiques et corinthiens de mauvaise qualité sont souvent déclarés comme des œuvres béotiennes. Souvent, les bons vases béotiens sont considérés comme attiques et les mauvais vases attiques sont faussement considérés comme béotiens. Il y a probablement eu un échange d'artisans avec l'Attique.

  Dans au moins un cas, il est certain qu'un potier attique a émigré en Béotie (le peintre des chevaux et des oiseaux, et peut-être aussi le peintre de Tokra, et parmi les potiers certainement Teisias l'Athénien). Les sujets les plus importants sont les frises d'animaux, les colloques et les scènes de komos. Les scènes mythologiques sont rares et, lorsqu'elles sont présentes, montrent généralement Héraclès ou Thésée. De la fin du VIe siècle au Ve siècle, un style semblable à une silhouette prédominait.

  Des cantharos, des lekanis, des tasses, des assiettes et des pichets ont été peints en particulier. Comme c'était le cas à Athènes, il existe des inscriptions kalos. Les potiers béotiens aimaient particulièrement produire des vases moulés, ainsi que des cantharos avec des ajouts sculptés et des pyxides tripodes. Les formes des lekanis, des coupes et des amphores à col ont également été empruntées à Athènes. Le style de peinture est souvent humoristique, avec une préférence pour les scènes de komos et de satyres.

  Entre 425 et 350 avant JC, les vases kabeiriques constituaient le principal style à figures noires en Béotie. Dans la plupart des cas, il s'agissait d'une forme hybride entre un cantharos et un skyphos avec un bol profond et des poignées annulaires verticales, mais il y avait aussi des lèbes, des coupes et des pyxides. Ils portent le nom du lieu principal où ils ont été trouvés, le sanctuaire des Kabeiroi près de Thèbes. Les scènes, généralement peintes sur une seule face du vase, représentent le culte local. Les vases caricaturent des événements mythologiques sous une forme humoristique et exagérée. Parfois, des scènes de komos sont montrées, vraisemblablement directement liées au culte.

  La peinture des vases à figures noires d'Eubée a également été influencée par Corinthe et surtout par l'Attique. Il n'est pas toujours facile de distinguer ces œuvres des vases attiques. Les érudits supposent que la plupart des poteries ont été produites en Érétrie. Ce sont principalement des amphores, des lécythes, des hydries et des assiettes qui ont été peintes. Les amphores de grand format étaient généralement décorées de scènes mythologiques, comme les aventures d'Héraclès ou le Jugement de Pâris. Les grandes amphores, dérivées de formes du VIIe siècle, ont des lèvres effilées et généralement des scènes liées aux mariages. Il s'agit apparemment de vases funéraires destinés aux enfants décédés avant de pouvoir se marier.

 

  L'emploi restreint de l'incision et l'utilisation régulière de blanc opaque pour les ornements floraux étaient des caractéristiques typiques de la poterie à figures noires d'Érétrie. En plus des scènes reflétant les modèles attiques, il y avait aussi des scènes plus sauvages comme le viol d'un cerf par un satyre ou Héraclès avec des centaures et des démons. Les vases de la classe Dolphin étaient auparavant considérés comme attiques, mais sont désormais considérés comme euboïques. Cependant, leur argile ne correspond à aucune source érétrienne connue. Peut-être que les pièces ont été produites à Chalcis.

  L'origine de certains styles régionaux à figures noires est contestée. Par exemple, la peinture sur poterie chalcidienne était autrefois associée à l’Eubée ; entre-temps, la production en Italie est considérée comme plus probable. Dans presque aucune autre région de Grèce, les frontières entre les styles orientalisant et à figures noires ne sont aussi incertaines que dans le cas des vases de la Grèce orientale. Jusqu'à environ 600 avant JC, seuls les dessins d'encombrement et les espaces vides étaient utilisés. Puis, au cours de la phase tardive du style orientalisant, les dessins incisés commencèrent à apparaître, la nouvelle technique venant du nord de l'Ionie.

  Le style de la frise animalière, qui prédominait auparavant, était certes décoratif, mais offrait peu de possibilités de développement technique et artistique ultérieur. Des styles régionaux sont apparus, notamment en Ionie. Vers la fin du style de la Chèvre Sauvage, les artistes du nord de la mer Ionienne imitaient – ​​assez mal – les modèles corinthiens. Mais déjà au 7ème siècle, des vases de haute qualité étaient produits en Ionie. Depuis environ 600 avant JC, le style à figures noires était utilisé entièrement ou en partie pour décorer les vases.

  Outre les styles régionaux développés à Klazomenai, Éphèse, Milet, Chios et Samos, il existait surtout dans le nord de l'Ionie des styles qui ne peuvent être localisés avec précision. Les flacons à huile qui adhèrent au modèle lydien (lydions) étaient courants, mais la plupart d'entre eux n'étaient décorés que de rayures. On y trouve aussi des scènes originales, par exemple un Scythe avec un chameau de Bactriane, ou encore un satyre et un bélier. Pour certains styles, l'attribution est controversée. Ainsi, le groupe de Northampton montre une forte influence ionienne, mais la production se faisait probablement en Italie, peut-être par des immigrants d'Ionie.

  À Klazomenai, ce sont principalement des amphores et des hydries qui ont été peintes au milieu du VIe siècle avant JC (environ 550 à 350 avant JC), ainsi que des bols profonds avec des figures plates et anguleuses. Les récipients ne sont pas très élégants dans leur fabrication. Des femmes et des animaux dansants étaient fréquemment représentés. Les ateliers phares étaient ceux du peintre de Tübingen, du peintre Petrie et du groupe Urla. La plupart des vases ont été trouvés à Naukratis et à Tell Defenneh, abandonnés en 525 avant JC. Leur origine était initialement incertaine, mais Robert Zahn en a identifié la source par comparaison avec des images de sarcophages klazoméniens.

  La poterie était souvent décorée de masques de femmes sculptés. Les scènes mythologiques étaient rares ; les ornements en écailles de poisson, les rangées de points blancs et les danseuses à l'air raide étaient populaires. La représentation d'un héraut debout devant un roi et une reine est unique. En général, les hommes étaient caractérisés par de grandes barbes en forme de pelle. Dès 600 av. La poterie samienne est apparue pour la première fois vers 560/550 avant JC avec des formes adoptées de l'Attique.

  Ce sont des coupes Little Masters et des cantharos avec des formes faciales. La peinture est précise et décorative. Samos, avec Milet et Rhodes, était l'un des principaux centres de production de vases de style Wild Goat. La peinture sur vase rhodien est principalement connue à partir de plaques rhodiennes. Celles-ci ont été réalisées selon une technique polychrome, de nombreux détails étant incisés comme dans la peinture à figures noires. Entre 560 et 530 av. J.-C., les situles étaient courantes, inspirées des modèles égyptiens. Ceux-ci montrent à la fois des sujets grecs, comme Typhon, ainsi que des thèmes égyptiens anciens comme les hiéroglyphes égyptiens et les disciplines sportives égyptiennes.

  "Caeretan hydria" est le nom utilisé pour un style particulièrement coloré de peinture sur vase à figures noires. L'origine de ces vases est contestée dans la littérature. Sur la base d'une évaluation de la peinture, les vases ont longtemps été considérés comme étrusques ou corinthiens, mais ces dernières années, l'opinion prédominante est que les producteurs étaient deux peintres potiers qui ont émigré de la Grèce orientale à Caere (Cerveteri moderne) en Étrurie. Les inscriptions en grec ionique soutiennent la théorie de l'émigration. L'atelier n'a existé que pendant une génération.

  Aujourd'hui, on connaît environ 40 vases produits par les deux maîtres artisans dans ce style. Tous sont des hydres à l'exception d'un albâtre. Aucun n'a été trouvé en dehors de l'Étrurie ; la plupart venaient de Caere, d'où leur nom. Les vases sont datés d'environ 530 à 510/500 avant JC. Les hydries caerètes sont suivies stylistiquement par des amphores à col décorées de rayures. Ces hydres techniquement plutôt inférieures mesurent 40 à 45 cm. haut. Les corps de ces vases ont des cols hauts et très proéminents, de larges épaules et des pieds annulaires bas en forme de calices renversés.

  De nombreux hydres sont déformés ou présentent une cuisson défectueuse. Les images peintes sont réparties en quatre zones : une zone des épaules, une zone du ventre avec des personnages et une avec des ornements, et une partie inférieure. Toutes les figures, à l'exception de la zone du ventre, sont décorées d'ornements. There is only one cas des deux frises ventrales comportant des personnages. Leurs multiples couleurs les distinguent de tous les autres styles à figures noires. Le style rappelle la peinture des vases ioniens et les tablettes de bois peintes multicolores trouvées en Égypte. Les hommes sont représentés avec une peau rouge, noire ou blanche.

  Les femmes sont presque toujours représentées avec une couleur blanche opaque. Les contours ainsi que les détails sont incisés, comme c'est typique du style à figures noires. Les surfaces en engobe noir brillant sont souvent recouvertes d'une engobe colorée supplémentaire, de sorte que l'engobe noir qui devient visible là où il y a des rayures fournit des détails internes aux différentes formes. Au recto, les images sont toujours pleines d'action, au verso les dessins héraldiques sont courants. Les ornements sont un élément important des hydries ; ils ne sont pas subsidiaires par rapport à d’autres motifs. Des pochoirs étaient utilisés pour peindre les ornements ; ils ne sont pas incisés.

  Le Peintre Busiris et le Peintre Aigle sont nommés peintres. Ce dernier est considéré comme le principal représentant de ce style. Ils s'intéressaient particulièrement aux sujets mythologiques qui révélaient généralement une influence orientale. Sur le vase portant le nom du peintre Busiris, Héraclès piétine le mythique pharaon égyptien Busiris. Héraclès est également fréquemment représenté sur d'autres vases, et des scènes de la vie quotidienne existent également. On y retrouve également des scènes peu communes, comme Cetus accompagné d'un phoque blanc.

  Les vases pontiques sont également étroitement liés stylistiquement à la peinture sur poterie ionienne. Dans ce cas également, on suppose qu'ils ont été fabriqués dans des ateliers étrusques par des artisans émigrés d'Ionie. Les vases tirent leur nom trompeur de la représentation sur un vase d'archers que l'on pense être des Scythes, qui vivaient au bord de la mer Noire (Pont). La plupart des vases ont été trouvés dans des tombes de Vulci, un nombre important également à Cerveteri. La forme index était une amphore à col de forme particulièrement élancée, ressemblant beaucoup aux amphores tyrrhéniennes.

  D'autres formes étaient des oenochoes avec des poignées en spirale, des dinosaures, des kyathos, des assiettes, des béchers à base haute et, moins souvent, des cantharos et d'autres formes. La parure des vases pontiques est toujours similaire. En général, on trouve un décor ornemental sur le cou, puis des personnages sur l'épaule, suivis d'une autre bande d'ornements, d'une frise d'animaux et enfin d'un anneau de rayons. Le pied, le cou et les poignées sont noirs. L'importance des ornements est perceptible, bien qu'ils soient souvent formés de manière plutôt négligente ; certains vases sont décorés uniquement d'ornements.

  L'argile de ces vases est rouge jaunâtre ; l'engobe recouvrant les vases est noire ou rouge brunâtre, de grande qualité et avec un éclat métallique. Les couleurs opaques rouge et blanc sont généreusement utilisées pour les figures et les ornements. Les animaux sont généralement décorés d'une bande blanche sur le ventre. Les chercheurs ont identifié six ateliers à ce jour. Le plus ancien et le meilleur est considéré comme celui du Peintre de Paris. Il montre des personnages mythologiques, dont un Héraclès imberbe, comme c'était l'usage dans l'est de la Grèce.

 

  Parfois, il y a des scènes qui ne font pas partie de la mythologie grecque, comme Héraclès combattant Junon Sospita (« le Sauveur ») du Peintre de Paris, ou un démon loup du Peintre de Tityos. On y retrouve également des scènes de la vie quotidienne, des scènes de komos et des cavaliers. Les vases sont datés d'une époque comprise entre 550 et 500 avant JC, et environ 200 sont connus. Les vases étrusques produits localement datent probablement du VIIe siècle avant JC. Au début, ils ressemblent à des modèles à figures noires de Corinthe et de la Grèce orientale. On suppose qu’au début, ce sont principalement les immigrants grecs qui étaient les producteurs.

  Le premier style important était la peinture sur poterie pontique. Ensuite, entre 530 et 500 avant JC, le peintre Micali et son atelier suivirent. À cette époque, les artistes étrusques avaient tendance à suivre les modèles attiques et produisaient principalement des amphores, des hydres et des cruches. Ils présentaient généralement des komos, des scènes de colloques et des frises d'animaux. Les scènes mythologiques sont moins courantes, mais elles sont réalisées avec beaucoup de soin. Le style à figures noires a pris fin vers 480 avant JC. Vers la fin, un style maniériste s'est développé, et parfois une technique de silhouette plutôt négligente.

  La peinture sur vase chalcidienne doit son nom aux inscriptions mythologiques qui apparaissaient parfois dans l'écriture chalcidienne. C'est pour cette raison que l'origine de la poterie fut d'abord soupçonnée d'être l'Eubée. Actuellement, on suppose que la poterie a été produite à Rhegion, peut-être aussi à Caere, mais la question n'a pas encore été définitivement tranchée. La peinture sur vase chalcidienne a été influencée par la peinture attique, corinthienne et surtout ionienne. Les vases ont été trouvés principalement dans des localités italiennes comme Caeri, Vulci et Rhegion, mais également dans d'autres localités de la Méditerranée occidentale.

  La production de vases chalcidiens débuta brutalement vers 560 avant JC. À ce jour, aucun précurseur n'a été identifié. Après 50 ans, vers 510 avant JC, c'était déjà fini. Environ 600 vases ont survécu et 15 peintres ou groupes de peintres ont été identifiés jusqu'à présent. Ces vases se caractérisent par un travail de poterie de haute qualité. L'engobe brillant qui les recouvre est généralement d'un noir absolu après la cuisson. L'argile a une couleur orange. Les couleurs opaques rouges et blanches ont été généreusement utilisées dans la peinture, tout comme la gravure pour produire des détails intérieurs.

  La forme index est l'amphore à col, qui représente un quart de tous les vases connus, mais il existe également des œilletons, des oenochoes et des hydries ; les autres types de navires sont moins courants. Les lékanis et les coupes de style étrusque font exception. Les vases sont économiques et de construction rigoureuse. Le « pied en coupe chalcidienne » est une caractéristique typique. Il est parfois copié dans les vases attiques à figures noires, moins souvent dans les vases à figures rouges. Le plus important des artistes connus de l'ancienne génération est le peintre d'inscriptions, tandis que les plus jeunes représentants sont le peintre de Phineus.

  Le premier est vraisemblablement à l’origine du style ; quelque 170 des vases survivants sont attribués à l'atelier très productif de ce dernier. Il est probablement aussi le dernier représentant de ce style. Les images sont généralement plus décoratives que narratives. Des cavaliers, des frises d'animaux, des images héraldiques ou des groupes de personnes sont représentés. Une grande croix de lotus et de palmettes fait souvent partie du tableau. Les scènes mythologiques sont rares, mais lorsqu'elles se produisent, elles sont en général d'une qualité exceptionnelle.

  La peinture sur vase pseudo-chalcidienne est le successeur de la peinture chalcidienne. Elle est proche de la peinture chalcidienne mais a également des liens étroits avec la peinture sur vase attique et corinthienne. Ainsi, les artistes ont utilisé l'alphabet ionien plutôt que chalcidien pour les inscriptions. La structure de l'argile est également différente. Il existe environ 70 vases connus de ce type, qui ont été classés pour la première fois par Andreas Rumpf. Il est possible que les artisans soient les successeurs des peintres de vases et potiers chalcidiens émigrés en Étrurie.

  La peinture sur vase pseudo-chalcidienne est classée en deux groupes. L'aîné des deux est le groupe Polyphemus, qui a produit la plupart des récipients survivants, principalement des amphores à col et des oinochoes. Des groupes d'animaux sont généralement représentés, plus rarement des scènes mythologiques. Les vaisseaux ont été retrouvés en Etrurie, en Sicile, à Marseille et Vix. Le groupe Memnon, plus jeune et moins productif, auquel 12 vases sont actuellement attribués, avait une répartition géographique beaucoup plus restreinte, se limitant à l'Étrurie et à la Sicile. À l'exception d'un oinochoé, ils ne produisaient que des amphores à col, généralement décorées d'animaux et de cavaliers.

  Les vases du groupe de Northampton étaient tous des amphores à petit col, à l'exception d'une amphore à simple ventre. Ils sont stylistiquement très similaires à la peinture sur vase de la mer Ionienne du nord, mais ont probablement été produits en Italie plutôt qu'en Ionie, peut-être en Étrurie vers 540 avant JC. Les vases de ce groupe sont de très haute qualité. Ils présentent de riches décorations ornementales et des scènes qui ont retenu l'intérêt des érudits, comme un prince avec des chevaux et un personnage monté sur une grue. Ils sont similaires aux travaux du Groupe de Campana Dinoi et à ce qu'on appelle l'Amphore de Northampton dont l'argile est similaire à celle de Caeretan hydriai. Le groupe Northampton doit son nom à cette amphore. Les Campana hydriai rondes rappellent les modèles béotiens et eubéens.

  Les albâtres à corps cylindrique d'Andros sont rares, tout comme les lekanis de Thasos. Ceux-ci rappellent les produits béotiens sauf qu'ils comportent deux frises d'animaux au lieu de l'unique frise commune à la Béotie. Les planches thasiennes suivent plutôt les modèles attiques et avec leurs scènes figurées sont plus ambitieuses que sur les lekanis. Des imitations de vases de Chios dans le style à figures noires sont connues. La poterie locale à figures noires de Halai est également rare. Après que les Athéniens eurent occupé Elaious sur les Dardanelles, la production locale de poterie à figures noires y commença également. Les produits modestes comprenaient de simples lekanis avec des images de contour. Un petit nombre de vases de style à figures noires ont été produits dans la France celtique. Eux aussi étaient presque certainement inspirés des vases grecs.

  Les recherches scientifiques sur ces vases ont commencé surtout au XIXe siècle. Depuis cette époque, les soupçons se sont intensifiés selon lesquels ces vases auraient une origine grecque plutôt qu'étrusque. Une amphore du prix panathénaïque trouvée par Edward Dodwell en 1819 à Athènes en a notamment fourni la preuve. Le premier à présenter une preuve fut Gustav Kramer dans son ouvrage Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). Cependant, il a fallu plusieurs années pour que cette idée soit généralement acceptée. Eduard Gerhard a publié un article intitulé Rapporto Volcente dans les Annali dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica dans lequel il a systématiquement étudié les vases ; il fut le premier érudit à le faire.

  À cette fin, en 1830, il étudia les vases trouvés à Tarquinia, les comparant, par exemple, à ceux trouvés en Attique et à Égine. Au cours de ces travaux, il a identifié 31 signatures de peintres et potiers. Auparavant, seul le potier Taleides était connu. L'étape suivante de la recherche fut le catalogage scientifique des principales collections de vases des musées. En 1854, Otto Jahn publia les vases dans la Collection nationale des antiquités de Munich. Auparavant, des catalogues des musées du Vatican (1842) et du British Museum (1851) avaient été publiés.

  La description de la collection de vases de la Collection berlinoise des antiquités classiques, constituée en 1885 par Adolf Furtwängler, a été particulièrement marquante. Furtwängler fut le premier à classer les récipients par région d'origine artistique, technologie, style, forme et style de peinture, ce qui eut un effet durable sur les recherches ultérieures. En 1893, Paul Hartwig tenta dans son livre Meisterschalen d'identifier différents peintres sur la base d'inscriptions kalos, de signatures et d'analyses de style. Edmond Pottier, conservateur au Louvre, est à l'initiative en 1919 du Corpus Vasorum Antiquorum.

  Toutes les principales collections du monde sont publiées dans cette série, qui comptait en 2009 plus de 300 volumes. Les recherches scientifiques sur la peinture des vases attiques doivent beaucoup à John D. Beazley. Il commence à étudier ces vases vers 1910, en utilisant la méthode développée par l'historien de l'art Giovanni Morelli pour l'étude des peintures et affinée par Bernard Berenson. Il partait du principe que chaque peintre créait des œuvres originales qui pouvaient toujours être attribuées sans équivoque. Il utilise des détails particuliers tels que les visages, les doigts, les bras, les jambes, les genoux et les plis des vêtements. Beazley a étudié 65 000 vases et fragments, dont 20 000 à figures noires.

 

  Au cours de ses études, qui ont duré près de six décennies, il a pu en attribuer 17 000 par leur nom ou en utilisant un système de noms pragmatiques, et les classer en groupes de peintres ou d'ateliers, de relations et d'affinités stylistiques. Il a identifié plus de 1 500 potiers et peintres. Aucun autre archéologue n'a eu une influence aussi décisive sur la recherche dans un domaine archéologique que Beazley, dont les analyses restent dans une large mesure valables jusqu'à nos jours. Après Beazley, des chercheurs comme John Boardman, Erika Simon et Dietrich von Bothmer ont étudié les vases attiques à figures noires.

  Les recherches fondamentales sur la poterie corinthienne ont été réalisées par Humfry Payne, qui, dans les années 1930, a établi une première classification stylistique qui est, pour l'essentiel, utilisée jusqu'à nos jours. Il classe les vases selon leur forme, leur type de décoration et leurs sujets d'images, et ce n'est qu'ensuite qu'il fait des distinctions selon les peintres et les ateliers. Il suit la méthode de Beazley sauf qu'il accorde moins d'importance à la répartition des peintres et des groupes puisqu'un cadre chronologique est plus important pour lui. Jack L. Benson entreprit cette tâche d'attribution en 1953 et distingua 109 peintres et groupes.

  Enfin, Darrell A. Amyx a résumé les recherches menées jusque-là dans son livre de 1988 Corinthian Vase-Painting of the Archaic Period. La question de savoir s'il est possible, dans le cas de la poterie corinthienne, d'attribuer des peintres spécifiques fait cependant l'objet d'un débat scientifique. La poterie laconienne était connue depuis le XIXe siècle grâce à un nombre important de vases provenant de tombes étrusques. Au début, ils ont été attribués à tort, étant longtemps considérés comme un produit de Cyrène, où certaines des premières pièces ont également été trouvées.

  Grâce aux fouilles britanniques menées dans le sanctuaire d'Artémis Orthia à Sparte, leur véritable origine a été rapidement identifiée. En 1934, Arthur Lane rassembla tout le matériel connu et fut le premier archéologue à identifier différents artistes. En 1956, les nouvelles découvertes furent étudiées par Brian B. Shefton. Il réduisit de moitié le nombre de peintres distincts. En 1958 et 1959, d'autres nouveaux documents provenant de Tarente furent publiés. Un nombre important d’autres vases ont également été découverts à Samos. Conrad Michael Stibbe a étudié à nouveau les 360 vases qu'il connaissait et a publié ses découvertes en 1972. Il a identifié cinq peintres majeurs et trois peintres mineurs.

  En plus des recherches sur la peinture des vases attiques, corinthiens et laconiens, les archéologues s'intéressent souvent particulièrement aux styles italiens mineurs. Les Caeretan hydriai ont été identifiés et nommés pour la première fois par Carl Humann et Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff et d'autres archéologues soupçonnaient à tort que l'origine de la poterie chalcidique était l'Eubée. Georg Ferdinand Dümmler est responsable de la fausse dénomination des vases pontiques, qu'il supposait provenir de la région de la mer Noire en raison de la représentation d'un Scythe sur l'un des vases. Entre-temps, les recherches sur tous les styles sont moins menées par des individus que par un grand groupe international de scientifiques. [Wikipédia].

  AVIS: La poterie grecque d'environ 1000 à environ 400 avant JC fournit non seulement certaines des formes de vase les plus distinctives de l'Antiquité, mais également certaines des représentations les plus anciennes et les plus diverses des croyances et pratiques culturelles des Grecs anciens. De plus, la poterie, avec sa durabilité (même lorsqu'elle est brisée) et son manque d'attrait pour les chasseurs de trésors, est l'un des grands survivants archéologiques et constitue donc un outil important pour les archéologues et les historiens pour déterminer la chronologie de la Grèce antique.

  Quelle que soit leur valeur artistique et historique, la grande majorité des vases grecs, bien qu'ils soient désormais des pièces de musée poussiéreuses, étaient en réalité destinés à un usage quotidien et, pour paraphraser Arthur Lane, il convient peut-être de rappeler que debout sur un trottoir de pierre et trempés d'eau , ils auraient autrefois brillé sous le soleil méditerranéen. L'argile (keramos) utilisée pour produire des poteries (kerameikos) était facilement disponible dans toute la Grèce, même si la plus fine était l'argile attique, avec sa forte teneur en fer donnant une couleur rouge orangé avec un léger éclat lors de la cuisson et le chamois pâle de Corinthe.

  L'argile était généralement préparée et raffinée dans des bassins de décantation afin que différentes consistances de matériau puissent être obtenues en fonction des types de récipients à fabriquer avec. La poterie grecque était invariablement réalisée sur le tour de potier et généralement réalisée en sections horizontales distinctes : le pied, le bas et le haut du corps, le col et enfin les anses, si nécessaire. Ces sections ont ensuite été assemblées avec une « barbotine » d'argile après séchage et il est possible dans de nombreux cas de voir les empreintes du potier imprimées à l'intérieur du récipient.

  La pièce a ensuite été remise sur la roue pour lisser les marques de jointure et ajouter la mise en forme finale. Par conséquent, tous les vases étaient uniques et les petites variations de dimensions révèlent que l’utilisation d’outils simples et non de gabarits découpés était la norme. Ensuite, le pot a été décoré. Ce procédé dépendait du style décoratif en vogue à l'époque, mais les méthodes populaires consistaient à peindre tout ou partie du vase avec une fine peinture adhésive noire ajoutée au pinceau, dont les marques restent visibles dans de nombreux cas. Cette peinture noire était un mélange de potasse alcaline ou de soude, d'argile contenant du silicium et d'oxyde de fer ferreux noir.

  La peinture était fixée sur le pot à l'aide d'un fixateur d'urine ou de vinaigre qui brûlait sous la chaleur du four, liant la peinture à l'argile. Une autre technique, plus rarement utilisée, consistait à recouvrir le récipient d'une peinture à l'argile blanche. Alternativement, seules des lignes ou des figures ont été ajoutées en noir en utilisant une version plus épaisse de la peinture noire mentionnée ci-dessus et appliquées avec un pinceau dur ou une plume ; en conséquence, un léger effet de soulagement a été obtenu. Des détails mineurs étaient souvent ajoutés avec une peinture noire diluée donnant une couleur jaune-brun, une argile à pipe blanche et un rouge foncé d'ocre et de manganèse. Ces deux dernières couleurs avaient tendance à s’écailler avec le temps.

  Le pot fini était alors prêt à être mis au four et cuit à une température d'environ 960 °C, ce qui est relativement bas et explique la « douceur » de la poterie grecque (par rapport, par exemple, à la porcelaine chinoise). Les pots ont été cuits plusieurs fois (dans le même four) afin d'obtenir la finition et la coloration requises. Tout d’abord, le pot a été cuit dans un feu oxydant où une bonne ventilation du four garantissait que l’orange/rouge de l’argile ressortait.

  Ensuite, le pot a été recuit dans un four privé d'oxygène (processus de réduction) en ajoutant de l'eau ou du bois humide à l'intérieur du four. Cela garantissait que les couleurs peintes, en particulier le noir, s'assombrissaient. Une troisième cuisson, toujours bien aérée, a rougi à nouveau l'argile du pot tandis que les zones peintes, désormais protégées par un fin lavis, ont conservé leur coloration d'origine. Ce processus compliqué exigeait évidemment un excellent timing de la part du potier afin de ne pas gâcher le vase avec une décoloration inconvenante.

  Les potiers grecs produisaient des récipients pratiques pour le vin, l'eau, l'huile et les parfums. Peintre et potier (kerameus) étaient généralement, mais pas toujours, des spécialistes distincts. Cependant, des partenariats durables existaient, comme entre le potier Ergotimos et le peintre Kleitas. De nombreux potiers individuels et, moins fréquemment, peintres, ont été identifiés avec certitude grâce à leurs signatures (le plus souvent « ... fait ceci ») bien que la majorité des vases grecs ne soient pas signés. Cependant, le professeur JD Beazley, travaillant au XXe siècle après JC, a identifié plus de 500 artistes non signés se distinguant par leur style particulier.

  Le catalogage systématique et complet de la poterie grecque par Beazley a également permis d'étudier son évolution dans les techniques, les dessins et la décoration. Les peintres travaillaient souvent dans des ateliers collectifs, généralement sous la supervision d'un « maître » potier (ce qui suggère que la forme était en réalité plus importante que la décoration pour les Grecs). Même si les artistes étaient libres de tout contrôle ou restriction politique centralisé, ils étaient sans aucun doute motivés par la demande du marché pour des styles, des sujets et des modes particuliers. De nombreux potiers et artistes ont été prolifiques dans leur production et dans certains cas, plus de 200 vases peuvent être attribués à un seul artiste.

  La majorité des ouvriers potiers n'auraient pas été payés plus que n'importe quel autre ouvrier manuel et un bon vase ne coûtait probablement que le salaire d'une journée. Certes, quelques artistes auraient été très demandés et leurs produits étaient vendus non seulement localement mais aussi dans toute la Méditerranée. Les potiers eux-mêmes s'installaient parfois dans d'autres villes, notamment dans les colonies, emportant souvent avec eux leur style régional. Il y avait aussi une certaine rivalité entre les artistes comme l'indique un commentaire signé sur un vase, « mieux qu'Eupphronias n'aurait jamais pu le faire ».

  Bien que la poterie grecque nous offre une large gamme de formes allant des tasses aux assiettes en passant par les amphores massives, bon nombre de formes sont restées relativement constantes au fil des siècles. Cela est principalement dû au fait que les potiers grecs produisaient des objets à usage pratique - contenant du vin, de l'eau, de l'huile et des parfums - et une fois que la forme pratique optimale avait évolué, elle était copiée et conservée. Cependant, malgré cette restriction formelle, les potiers et peintres grecs purent exprimer leur polyvalence dans la décoration du vase.

 

  Les formes de poterie les plus courantes étaient les amphores pour conserver le vin, les grands cratères pour mélanger le vin avec de l'eau, les cruches (oinochoai) pour verser le vin, les kylix ou les tasses à pied avec des poignées horizontales pour boire (particulièrement pratiques si l'on soulève une tasse du sol lorsqu'on s'incline dessus). une chaise longue pour le dîner), une hydre à trois anses pour contenir de l'eau, des skyphoi ou bols profonds et des pots lekythoi pour contenir des huiles et des parfums. Précisément parce que ces objets étaient destinés à un usage pratique, les poignées (lorsqu'elles sont présentes) sont généralement des objets robustes, mais le potier, en utilisant des formes soigneusement étudiées, parvenait souvent à intégrer ces ajouts dans l'harmonie globale du récipient et était aidé dans cet effort par des subtilités. ajouts décoratifs du peintre.

  La poterie grecque, notamment en termes de décoration, a évolué au fil des siècles et peut être classée en quatre grands groupes. Ces groupes ou styles, cependant, ne sont pas passés brusquement de l’un à l’autre mais, dans certains cas, sont restés contemporains pendant des décennies. En outre, certaines cités-États et régions ont mis du temps à s'adapter aux nouveaux styles ou ont simplement préféré la décoration de style « ancien » longtemps après avoir cessé leur production ailleurs. De plus, certaines villes et régions étaient systématiquement un peu excentriques dans leur décoration (notamment Laconie-Sparte, Chypre, Crète et Béotie) et préféraient suivre leur propre voie artistique plutôt que d'imiter les styles des centres les plus dominants comme Athènes et Corinthe.

  Le premier style distinctif de poterie grecque est apparu vers 1000 avant JC ou peut-être même avant. Rappelant par sa technique les civilisations grecques antérieures de la Crète minoenne et du continent mycénien, la décoration des poteries grecques anciennes employait des formes simples, utilisées avec parcimonie. La poterie proto-géométrique diffère cependant de la forme minoenne et mycénienne. Le centre de gravité du vase est déplacé vers le bas (créant un récipient plus stable) avec les pieds et le cou plus articulés.

  Les dessins proto-géométriques les plus populaires étaient des cercles peints avec précision (peints avec plusieurs pinceaux fixés sur une boussole), des demi-cercles et des lignes horizontales en noir et avec de grandes zones du vase peintes uniquement en noir. Un nouveau motif sur la base des récipients était constitué de pointes triangulaires verticales qui perdureraient pendant des siècles et deviendraient un élément essentiel de la conception ultérieure de la poterie à figures noires.

  À partir d'environ 900 avant JC, le style géométrique complet apparaît et privilégie l'espace rectangulaire sur le corps principal du vase entre les anses. Des motifs linéaires audacieux (peut-être influencés par les styles contemporains de vannerie et de tissage) sont apparus dans cet espace avec une décoration de lignes verticales de chaque côté. C'est à cette époque qu'est apparu pour la première fois le design Maeander (peut-être inspiré par la pratique consistant à enrouler des feuilles autour des bords des bols en métal), destiné à devenir à jamais associé à la Grèce et encore présent aujourd'hui sur tout, des assiettes aux serviettes de plage.

  La partie inférieure des vases géométriques était souvent peinte en noir et séparée du reste du vase par des lignes horizontales. Une forme intéressante de style géométrique est apparue : la boîte circulaire avec un couvercle plat, au-dessus de laquelle un à quatre chevaux faisaient office de poignée. À partir du 8ème siècle avant JC, la décoration géométrique des poteries a commencé à inclure des figures humaines, des oiseaux et des animaux stylisés, presque toute la surface du vase étant recouverte de lignes et de formes audacieuses peintes en marron et noir. Vers la fin de la période, au VIIe siècle avant JC, le style dit orientalisant devint populaire à Corinthe.

  Grâce à ses relations commerciales avec l'Est, la ville s'est appropriée les plantes stylisées (par exemple le lotus, le palmier et l'arbre de vie), les frises d'animaux (par exemple les lions) et les lignes courbes de la poterie égyptienne et assyrienne pour produire sa propre version grecque. Le reste de la Grèce orientale a emboîté le pas, préférant souvent le rouge sur fond blanc. Athènes a également suivi la nouvelle tendance et elle s'est généralisée avec, par exemple, les Cyclades produisant également des poteries dans ce nouveau style plus libre, souvent sur de très grands vases et avec une décoration plus spacieuse.

  À la fin du 7ème siècle avant JC, la poterie proto-corinthienne atteignit de nouveaux sommets en matière de technique et de qualité, produisant les plus belles poteries jamais vues, en termes de cuisson, de forme et de décoration. Les figures stylisées noires sont gravées de plus en plus précisément et reçoivent toujours plus de détails, de grâce et de vigueur. Le célèbre style de poterie à figures noires était né. Bien que produits d'abord à Corinthe, puis avec de beaux exemples fabriqués en Laconie et dans le sud de l'Italie (par des colons eubéens), ce seraient les potiers et les peintres de l'Attique qui excelleraient entre tous dans le style à figures noires, et ils continueraient à dominer le marché grec pour les 150 prochaines années.

  Tous les personnages n'étaient pas peints en noir car certaines conventions de couleurs étaient adoptées, comme le blanc pour la chair féminine et le rouge violet pour les vêtements et accessoires. Un plus grand intérêt pour les détails fins tels que les muscles et les cheveux, ajoutés aux personnages à l'aide d'un instrument tranchant, est caractéristique de ce style. Cependant, ce sont également les postures des personnages qui font de la poterie à figures noires l'apogée de la peinture sur vase grecque. Les plus belles figures reçoivent grâce et équilibre et sont souvent illustrées dans les instants précédant le mouvement réel ou au repos après un effort.

  Le célèbre vase d'Exekias, représentant Ajax et Achille jouant à un jeu de société pendant la guerre de Troie, est un excellent exemple de la dignité et de l'énergie que pouvait atteindre la peinture à figures noires. De plus, les vases à figures noires racontaient souvent, pour la première fois, un récit. L'exemple le plus célèbre est peut-être le vase François, un grand cratère en volute réalisé par Ergotimos et peint par Kleitas (570-565 avant JC), mesurant 66 cm de haut (26 pouces) et recouvert de 270 figures humaines et animales représentant une gamme étonnante de scènes et personnages de la mythologie grecque. Les autres récipients typiques du style à figures noires sont les amphores, les lekythoi, les kylixes, les coupes simples, les pyxides (petites boîtes à couvercle) et les bols.

  La technique des figures noires a été remplacée par la technique des figures rouges (figures rouges créées en peignant leur contour avec un fond d'engobe noir) vers 530 avant JC, qui perdurera pendant environ 130 ans. Les deux styles ont été parallèles pendant un certain temps et il existe même des exemples « bilingues » de vases avec les deux styles, mais la figure rouge, avec son avantage du pinceau sur le graveur, pourrait tenter de représenter de manière plus réaliste la figure humaine et finalement elle est devenue le style privilégié de décoration de poterie grecque.

  Peut-être influencé par les techniques contemporaines de peinture murale, les détails anatomiques, les expressions faciales diverses, les vêtements plus détaillés (notamment les plis, suite à la nouvelle mode de la robe chiton plus claire qui fascinait également les sculpteurs contemporains), les plus grandes tentatives de représentation de la perspective, la superposition des figures. , et la représentation de la vie quotidienne comme les scènes éducatives et sportives sont toutes caractéristiques de ce style.

  Les formes des vases à figures rouges sont généralement celles du style à figures noires. Une exception est le kylix qui devient moins profond et avec un pied plus court, devenant presque un troisième manche. De plus, le récit peint doit être lu en tournant la coupe dans la main. D'autres modifications mineures sont l'hydre, qui devient un peu plus ample et l'amphore au cou plus mince. Les Lécythoi de cette période avaient généralement un fond blanc, tout comme (plus rarement) les tasses et les boîtes.

  Au IVe siècle avant JC, peut-être en tentant de copier les innovations en perspective de la fresque contemporaine, le style à figures rouges révélera ses limites et les vases dégénéreront en scènes surpeuplées aux étranges perspectives flottantes. Il est significatif que la peinture sur poterie ne soit plus intrinsèquement liée à la forme qu’elle décorait et cesse ainsi d’exister en tant que forme d’art à part entière. Par conséquent, l’attention et l’excellence artistiques se détourneraient des limites de la poterie pour se tourner vers d’autres médias plus ouverts tels que la peinture murale.

  En conclusion, nous pouvons donc dire que non seulement la poterie grecque nous a donné certaines des formes et des dessins les plus distinctifs, les plus influents et les plus beaux de l'Antiquité, mais qu'elle nous a également ouvert une fenêtre sur la vie, les pratiques et les croyances d'un peuple. disparu depuis longtemps et dont nous n'avons très souvent aucune trace écrite contemporaine. Ces objets du quotidien, contrairement à la littérature, à la sculpture et à l'architecture d'autres survivants archéologiques, nous permettent de nous sentir un peu plus proches des gens ordinaires du monde antique, ceux qui ne pouvaient pas se permettre des beaux-arts ou des bijoux précieux mais pouvaient se permettre de posséder un objet finement travaillé. objet tel qu'un vase grec. [Encyclopédie de l'histoire ancienne].

  : Nous expédions toujours des livres au niveau national (aux États-Unis) via USPS ASSURÉ courrier des médias (« tarif livre »). Il existe également un programme de réduction qui peut réduire les frais de port de 50 à 75 % si vous achetez environ une demi-douzaine de livres ou plus (5 kilos et plus). Nos frais de port sont aussi raisonnables que les tarifs USPS le permettent. ACHATS SUPPLÉMENTAIRES recevez un TRÈS GRAND

Votre achat sera généralement expédié dans les 48 heures suivant le paiement. Nous emballons aussi bien que n'importe qui dans le secteur, avec de nombreux rembourrages et conteneurs de protection. Le suivi international est fourni gratuitement par l'USPS pour certains pays, d'autres pays entraînent des frais supplémentaires.

Nous proposons le courrier prioritaire du service postal américain, le courrier recommandé et le courrier express pour les envois internationaux et nationaux, ainsi que United Parcel Service (UPS) et Federal Express (Fed-Ex). Merci de demander un devis. Veuillez noter que pour les acheteurs internationaux, nous ferons tout notre possible pour minimiser votre responsabilité en matière de TVA et/ou de droits. Mais nous ne pouvons assumer aucune responsabilité pour les taxes ou droits qui pourraient être perçus sur votre achat par le pays de votre résidence. Si vous n'aimez pas les systèmes de taxes et de droits imposés par votre gouvernement, veuillez vous plaindre auprès d'eux. Nous n'avons aucune capacité à influencer ou à modérer les systèmes fiscaux/droits de votre pays.

Si à la réception de l'article vous êtes déçu pour quelque raison que ce soit, je propose une politique de retour de 30 jours sans poser de questions. Nous n'avons évidemment aucune possibilité d'influencer, de modifier ou de renoncer aux politiques d'eBay.

À PROPOS: Avant notre retraite, nous voyageions plusieurs fois par an en Europe de l'Est et en Asie centrale à la recherche de pierres précieuses et de bijoux anciens provenant des centres de production et de taille de pierres précieuses les plus prolifiques du monde. La plupart des articles que nous proposons proviennent d'acquisitions que nous avons réalisées au cours de ces années en Europe de l'Est, en Inde et au Levant (Méditerranée orientale/Proche-Orient) auprès de diverses institutions et revendeurs. Une grande partie de ce que nous générons sur Etsy, Amazon et Ebay est destinée à soutenir des institutions dignes d'Europe et d'Asie liées à l'anthropologie et à l'archéologie. Bien que nous ayons une collection de pièces de monnaie anciennes se comptant par dizaines de milliers, nos principaux intérêts sont les bijoux anciens et les pierres précieuses, reflet de notre formation universitaire.

Bien qu’elles soient peut-être difficiles à trouver aux États-Unis, en Europe de l’Est et en Asie centrale, les pierres précieuses antiques sont généralement démontées des anciennes montures cassées – l’or est réutilisé – les pierres précieuses sont recoupées et réinitialisées. Avant que ces magnifiques pierres précieuses antiques ne soient retaillées, nous essayons d’acquérir les meilleures d’entre elles dans leur état d’origine, antique et fini à la main – la plupart d’entre elles ont été fabriquées à l’origine il y a un siècle ou plus. Nous pensons que le travail créé par ces maîtres artisans disparus depuis longtemps mérite d'être protégé et préservé plutôt que de détruire ce patrimoine de pierres précieuses antiques en découpant l'œuvre originale de l'existence. En préservant leur travail, d’une certaine manière, nous préservons leur vie et l’héritage qu’ils ont laissé aux temps modernes. Il vaut bien mieux apprécier leur métier que de le détruire avec une coupe moderne.

Tout le monde n’est pas d’accord : au moins 95 % des pierres précieuses antiques qui arrivent sur ces marchés sont retaillées et l’héritage du passé est perdu. Mais si vous êtes d'accord avec nous que le passé mérite d'être protégé et que les vies passées et les produits de ces vies comptent toujours aujourd'hui, envisagez d'acheter une pierre précieuse naturelle antique, taillée à la main plutôt qu'une pierre précieuse taillée à la machine produite en série (souvent synthétique). ou « produites en laboratoire ») qui dominent le marché aujourd’hui. Nous pouvons sertir la plupart des pierres précieuses antiques que vous achetez chez nous dans votre choix de styles et de métaux allant des bagues aux pendentifs en passant par les boucles d'oreilles et les bracelets ; en argent sterling, en or massif 14 carats et en or 14 carats. Nous serions heureux de vous fournir un certificat/garantie d’authenticité pour tout article que vous achetez chez nous. Je répondrai toujours à chaque demande, que ce soit par e-mail ou par message eBay, alors n'hésitez pas à écrire.

CONDITION: TRÈS BIEN. Lisez légèrement la couverture souple surdimensionnée. Musée d'art métropolitain de New York (1972) 71 pages. On dirait qu'il a peut-être été lu une fois, peut-être deux fois, ce qui ne montre qu'une usure très, très légère des étagères. En fait, on dirait presque qu'il a été feuilleté plusieurs fois mais jamais réellement lu. L'intérieur du livre est presque intact. Les pages sont propres, nettes, non marquées, non mutilées, étroitement reliées et ne montrant qu'une très, très légère usure de lecture. De l'extérieur, les couvertures ne montrent que de légers frottements sur les couvertures jusqu'aux extrémités, et vraiment, nous pinaillons. Il faut un examen très minutieux pour détecter le frottement très léger, et il n'y a que de très légères traces d'usure sur les
Original Language English
Dimensions 10¾ x 8¼ inches; ¾ pound
Author Dietrich Von Bothmer
Vintage Yes
Personalized No
Type Art Catalog
Topic Ancient Art
Topic Ancient Greece
Topic Anthropology
Topic Archaeology
Topic Art History
Topic Ceramics
Topic Collectibles
Topic Cultural History
Topic Cultural Studies
Topic Culture
Topic Paintings
Topic Regional History
Topic Social History
Topic Social Sciences
Topic World History
Ex Libris No
Book Title Greek Vase Painting
Personalize No
Publication Year 1972
Genre History
Publisher New York Metropolitan Museum of Art
Language English
Signed No
Era Ancient
Inscribed No
Features Illustrated
Number of Pages 71
Format Trade Paperback
Intended Audience Young Adults
Intended Audience Adults
Narrative Type Nonfiction
  • Condition: Très bon état
  • Langue originale: English
  • Dimensions: 10¾ x 8¼ pouces ; ¾ livre
  • Auteur: Dietrich Von Bothmer
  • Vintage: Oui
  • Personnalisé: Non
  • Type: Catalogue Art
  • Sujet: Histoire De L’art, de collection, tableaux, Régional History
  • Ex libris: Non
  • Nom de publication: Greek Vase Peinture
  • Personnaliser: Non
  • Année Edition: 1972
  • Genre: History
  • Editeur: New York Metropolitan Musée d'Art
  • Langue: Anglais
  • Signé: Non
  • Era: Ancient
  • Inscrit: Non
  • Caractéristiques spéciales: Illustrée
  • Nombre de pages: 71
  • Format: Commerce Livre De Poche
  • Public visé: Adultes, Jeunes adultes
  • Narrative Type: Nonfiction
  • Marque: - Sans marque/Générique -

PicClick Insights - Grec Vase Peinture Noir Rouge Athens Boeotia Corinthe Laconia Cerveteri Amasis PicClick Exclusif

  •  Popularité - 0 personnes suivent la vente, 0.0 de nouvelles personnes suivent la vente par jour, 26 days for sale on eBay. 0 vendu, 1 disponible.
  •  Meilleur Prix -
  •  Vendeur - 5.440+ articles vendu. 0% évaluations négative. Grand vendeur avec la très bonne rétroaction positive et plus de 50 cotes.

Les Gens ont Aussi Aimé PicClick Exclusif